Archivos para España

Ramon Casas i Carbó (España, 1866-1932)

Posted in Casas i Carbó with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on noviembre 14, 2011 by Ninona
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Pintor catalán contemporáneo, nacido en Barcelona el 5 de enero de 1866, hijo de Ramon Casas i Gatell, un indiano natural de Torredembarra, que había hecho fortuna en Matanzas (Cuba) y de Elisa Carbó i Ferrer, hija de una adinerada familia burguesa.
     
ninocasas.jpg Casas de niño.
  
De muy niño se distinguió en las clases de dibujo en el colegio de Carreras (Barcelona), lo que hizo que en 1877 abandonara la escuela para estudiar arte en el estudio de Joan Vicens.
  
casas0021.jpg Un joven Casas.
    
En 1881, siendo adolescente, fue cofundador de la revista L’Avenç, y en octubre de ese año, acompañado de su primo Miquel Carbó i Carbó, estudiante de medicina, realizó su primer viaje a París. Ese invierno, motivado por lo descubierto en la capital francesa, estudió en la academia particular de Carolus Durán y más tarde en la Academia Gervex. Al año siguiente expuso algunas de sus obras en la Sala Parés de Barcelona, y en 1883 expuso un autorretrato en una sala de los Champs Elysées de París; el cuadro le valió una invitación como miembro del salón de la Societé d’Artistes Françaises.
  
casasconmodelo.jpg En su estudio con una modelo.
  
Su nueva vida de artista lo arrastró por diversos lugares, estableciéndose en las estaciones frías en París (era corresponsal de la revista L’Avenç) y el resto del año en España, sobre todo en Barcelona, pero también en Madrid y Granada, demostrando un temperamento abierto que le acompañó siempre.
  
casastaller.gif En su estudio.
  
De sus experiencias en ese tiempo surge una forma nueva de ver su arte y la iniciativa de pintar cuadros de multidudes: su cuadro de 1884 Plaza de toros -1- da prioridad al público en la plaza sobre la acción taurina, y representa el inicio de esa tendencia y la mejor prueba de su variedad temática. Presenta un encuadre fragmentario, diverso, un punto de vista elevado y una construcción del espacio por medio de zonas de color contrastado que se repetirá en otras obras. En aquel momento, algunos críticos que después lo defenderían como Eduald Canibell dijeron que el cuadro podía tener interés como esbozo, pero no como obra acabada. Durante el año 1886 Casas sobrevive a una peligrosa tuberculosis. Fue en ese tiempo cuando toma contacto con artistas de la altura de Santiago Rusiñol o Ignacio Zuloaga.
  
Plaza de toros -1- -1-
  
Rusiñol se hace acompañar de Casas para la realización de un proyecto que en 1889 cristalizaría en el libro “Por Cataluña (desde mi carro)”, con textos de Rusiñol e ilustraciones de Casas. Se pintó a sí mismo en un curioso cuadro titulado  Retratándose -2-,  en el que podemos ver a Casas en un exterior, con capa y sombrero negro, y frente a él a Santiago Rusiñol con bombín y traje marrón. Se trata de un divertimento, de una especie de broma cómplice, que define perfectamente la amistad entre ambos pintores catalanes.
  
Retratándose -2- -2-
     
Regresaron juntos a París donde se alojaron en el Moulin de la Galette, en Montmartre, junto con el crítico de arte y pintor Miguel Utrillo y el dibujante Ramon Canudas. Rusiñol realizaría por aquel entonces una serie de crónicas para el periódico La Vanguardia con el título”Desde el Molino”, que contaron también con las ilustraciones del mismo Ramon Casas. La Societé d’Artistes Françaises volvió a interesarse por él, convirtiéndolo en miembro, lo que le permitiría exponer dos veces al año sin pasar previamente por ningún jurado. 
  
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Volvió a exponer en 1890 en la Sala Parés de Barcelona junto con Santiago Rusiñol y el escultor Enric Clarasó, demostrando que en esa época seguía los postulados del academicismo pero que no había dejado pasar el impresionismo que había asumido en sus estadíos parisinos. De ese modo inauguró lo que se dio en llamar modernismo, movimiento cultural encabezado por intelectuales individualistas y antitradicionalistas que luchaban por equiparar el arte catalán con el resto de Europa.
  
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El modernismo tuvo su centro en Els 4 Gats, un café que se inauguró en la barcelonesa casa Marti en el barrio gótico, y que fue regentado por Pere Romeu y financiado por Ramon Casas, inspirado como el propio estilo artístico en su referente parisino Le Chat Noir. El local todavía puede visitarse en una reconstrucción fiel que respeta el lugar y la decoración que tenía en los tiempos de Casas, como demuestra la conservación de una copia del  cuadro Ramon Casas y Pere Romeu en tandem -3-  presidiendo una de las paredes principales. Casas utiliza en esta pintura una técnica más propia del cartel comercial que de la pintura al óleo. Sintetiza su estilo al máximo. Así, el fondo queda reducido a una simple línea que evoca una silueta urbana, mientras que las figuras se tratan con colores planos y vivos confinados por los gruesos trazos negros que las delimitan. En la parte superior de la derecha, el artista había escrito “Per anar amb bicicleta no’s pot dur l’esquena dreta” en catalán original (“Para ir en bicicleta no se puede ir con la espalda recta”), haciendo mención a la postura que adopta en el mismo Pere Romeu y que implica que la mayor parte del esfuerzo de pedalear lo está haciendo su compañero Ramon Casas. Cuando el local se cerró, la pintura se vendió y su comprador la hizo recortar prescindiento de nueve centímetros de tela en la parte inferior y de un metro de ancho. De esta forma, la rueda derecha quedó cortada, así como la frase anterior. Al quedar ésta incompleta, nuevo el propietario hizo tapar las palabras que habían quedado intactas. 
  
 Ramon Casas y Pere Romeu en tandem -3-  -3-
  
En esa época pintó un gran número de estudios y retratos, de los que son excelente muestra el lienzo Al aire libre -4- y el retrato del compositor Erik Satie, titulado Un bohemio -5-. Pero una de sus obras más importantes de ese tiempo fue  Chica en un bar -6-, también llamada Madeleine, donde se recoge de forma relajada el ambiente bohemio de finales del XIX. El cuadro parece ubicarse a medio camino entre el impresionismo francés y el estilo académico. El tono rojizo del pelo de la chica armoniza con el encendido color de la blusa y la bebida. Ello se compensa mediante los tonos blancos de la falda y la pared. La expresión de la muchacha aporta poca información: puede que sea tímida, quizá esté muy triste o simplemente aburrida, aunque parece demasiado ensimismada en su entorno para mostrar cualquier sentimiento. Sea como fuere, se trata de un excelente ejemplo del don de Casas para el retrato.
  
Els 4 Gats -Els 4 Gats.
  
Al aire libre -3- -4-
  
Un bohemio -4- -5-  10casasericsatieunbohemidetall.jpg -Detalle. 
   
162bcasasericsatie.jpg -Esbozo.
  
Chica en un bar -5- -6-     casasmadeleinedetalle.jpg -Detalle.
  
Como artista modernista empezó a ser conocido nacional e internacionalmente (Madrid, Berlín, Chicago recibieron exposiciones suyas), y a la altura de esa época organizó con Rusiñol constantes exposiciones en Barcelona y Sitges, pequeño pueblo costero catalán que se convitió gracias a Rusiñol en un centro cultural fundamental entre los artistas del momento.
    
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Fue escogido en 1900 para representar a España en la Exposición Universal de París, llevando para ello un retrato de su hermana Elisa Casas -7- con un precioso traje blanco adornado con claveles, guantes de ante y abanico, y el ya famoso de Erik Satie. Siguiendo su carrera internacional, la impactante pintura sobre la pena de muerte titulada El garrote vil -8-inaugura su serie de cuadros de crónica social. El pintor reflejó en esta obra la ejecución de Aniceto Peinador, un joven de diecinueve años ajusticiado en 1893, en la cárcel de la calle Amalia de Barcelona. De nuevo, el punto de vista elevado es el de un testigo, sin eliminar detalles como el árbol en primer término que impide la visión de la escena, estorbando incluso la del patíbulo y actuando como referente espacial. Con objetividad, el pintor describe el carácter del acontecimiento público de la ejecución, sin centrarse en ningún protagonista concreto, ni siquiera el reo, que apenas se entrevé entre el verdugo y los confesores, y dejando que el espectador pasee su vista como podría hacerlo un testigo presencial. Esta obra ganó uno de los premios en Munich en 1901. Otro momento crucial fue cuando el Gran Teatre del Liceo, emporio de la burguesía catalana, abrió su exclusivo Círculo para exponer permanentemente doce obras suyas.
  
Elisa Casas -7- -7-  
  
El garrote vil -8- -8-
  
En 1896 una bomba anarquista estalló en mitad de la procesión del Corpus Christi que salía de la barcelonesa iglesia de Santa María del Mar, matando a doce personas y sembrando el terror en la ciudad. Casas elige en su obra El Corpus Christi -9-  el momento de la salida de la procesión antes de su paso por la calle de Canvis Nous, donde se produjo el atentado. La escena está encuadrada desde arriba y el pintor se recrea en el juego cromático y festivo de los estandartes, las colgaduras de los balcones y los velos blancos de las niñas vestidas de Primera Comunión que acompañan la procesión, aludiendo así al caos y la desesperación que se producirá poco después y del que sus víctimas son ignorantes. La técnica, de pinceladas rápidas y poco cargadas de materia, es propia de cuadros de pequeño formato, pero resulta muy difícil de aplicar en una tela de estas dimensiones. Casas aplica, una vez más con gran audacia, los recursos de la pintura moderna a un género que parecía vedado para ella.
  
El Corpus Christi - 8- -9-
  
En 1903 es elegido miembro del Salon du Champ de Mars de París, lo que le proporciona el privilegio de exponer allí anualmente. En su presentación ofreció su célebre La carga -10-,  otra obra de multitudes que tomaba partido nuevamente en los conflictos sociales de principios de siglo. La obra hace alusión a una huelga en Barcelona en 1902, aunque se sabe que Casas lo pintó en 1899 y que, al ser rechazada en la Exposición Universal de París de 1900, la presentó en la Exposición General de Madrid de 1904, donde obtendría  el primer premio. De nuevo Casas insiste en dar una alternativa moderna a los cuadros de historia, recurriendo a un formato de grandes dimensiones. A diferencia de El garrote vil, el pintor opta aquí por centrar dramáticamente el conflicto en el guardia civil a caballo que arrolla a un manifestante; ambos sin embargo, no ocupan el centro de la composición, sino que, desde el extremo derecho, son el punto de partida de un espacio panorámico que se despliega en abanico hacia la izquierda, traduciendo expresivamente el movimiento de la multitud despavorida que huye de los sables policiales. En el centro, un gran espacio vacío completa el drama y remata una composición insólita para un cuadro de este tipo. Una vez más, Casas adapta con asombrosa facilidad su técnica suelta, de manchas contrastadas y luz difuminada, a un formato inusual. En 1910, realizó una nueva versión reducida, con el guardia civil a pie, que se conserva en una colección americana.
  
La carga -8- -10-
    
Fue en su estancia en Madrid durante la Exposición cuando dibujó una serie de caricaturas de personajes de la sociedad madrileña, incluidos pintores como Sorolla. Le fue encargado un Retrato ecuestre del rey Alfonso XIII -11-,  recientemente coronado como rey de España. 
  
Retrato ecuestre del rey Alfonso XIII -9- -11-
   
A su vuelta a Barcelona conoce a Júlia Peraire, bella vendedora callejera de lotería de la que se encaprichó febrilmente. La convirtió en su amante y su modelo, y aunque les diferenciaban 22 años de edad, siguieron juntos toda la vida. La sargentain -12- es uno de los primeros retratos que Casas le dedicara, demostrando una fascinación renovada por la belleza del retrato y exhibiendo un erotismo sereno que impregnó esa parte de la obra y de la vida del artista. La  entrada en sociedad de la joven vendedora repercutió en la temática de sus retratos: imágenes de burguesa altiva, con ropajes dignos de la irrupción en su nueva clase, confirmando su derecho a pasearse por los salones que hasta enconces le estaban vedados. Se casó con ella en 1922, cuando logró vencer la oposición familiar.
   
La sargentain -11- -12- 
  
Casas se convirtió con los años en el pintor más cotizado de la burguesía catalana, cultivando en la última etapa de su producción artística algo tan finamente burgués como el retrato. En 1908, junto a Charles Deering, Casas realiza un viaje por Cataluña, en el que el millonario americano compra el antiguo hospital de Sitges, restaurándolo y reformándolo para residir temporalmente en él, renombrándolo Maricel. En noviembre viaja a los Estados Unidos y Cuba, invitado por Mr. Deering, y realiza una docena de retratos al óleo y una treintena al carbón de personas conocidas por Mr. Deering. En el mismo año pinta el Retrato de la Sra. Baladia -13- , en el que Casas adopta un esquema de la figura femenina que tuvo mucho éxito entre la alta sociedad. Éste era el segundo retrato que Casas hacía a tal modelo, y en él como en el anterior el artista plasma perfectamente la belleza de una serena dama burguesa. La figura aparece sentada con las piernas superpuestas, en una actitud relajada y con una mirada de cierta complicidad con el artista, amigo de la retratada. Destaca la cualidad en el tratamiento de los pliegues del vestido blanco, el sombrero situado a su derecha, la flor sostenida y que es ofrecida al espectador, así como la expresión de la Sra. Baladia a base de un detallado dibujo que destaca las cualidades de su delicada piel. Como la obra le gustó mucho a su autor, solicitó poder exponerla en la Esposición Universal de Bruselas de 1910.
  
Retrato de la Sra. Baladia -12- -13-
  
En 1909, vuelve a Barcelona y continúa con sus exposiciones. En 1910 y 1911 viaja por Europa central y por Holanda.
En 1912 hereda el Monasterio benedictino de Sant Benet de Bages, situado en el término municipal de Sant Frutós del Bages, comarca catalana del Bages.
  
Sant Benet de Bages –Sant Benet de Bages.
  
En 1913 viaja con Mr. Deering a Galicia, y a su regreso se traslada a vivir a Sant Gervasi, a una torre en la calle Descartes de Barcelona. En 1916, viaja a Tamarit con Charles Deering, quien compra todo el pueblo; Casas se encargará de hacerlo restaurar. También adquiere la casa Xicarrons de Sitges, contigua al Cau Ferrat. 
  
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En 1918 Casas visita el frente en el transcurso de la Primera Guerra Mundial, quedando profundamente afectado. En 1921 se reemprenden las exposiciones de Rusiñol, Casas y Clarasó en la Sala Parés. Continuó exponiendo junto a Santiago Rusiñol, cultivando con maestría el arte del retrato y del paisaje, hasta la muerte de éste en 1931. Sólo un año después fallecería también Ramon Casas.
  
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Mary Stevenson Cassatt (Estados Unidos, 1844-1926)

Posted in Cassatt with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on abril 28, 2008 by Ninona

           

Hay quien dice que Mary Stevenson Cassatt fue la Jane Austen de la pintura. Como la escritora británica, sus cuadros, engañosamente serenos y superficiales, dedicados a mujeres normales en situaciones cotidianas, contienen varios niveles de tensión dramática, carácter y profundidad tanto psicológica como emocional que los dotan de gran calidad artística.

 

Nació el 22 de mayo de 1944 en Allegheny City, Pennsylvania, en el seno de una acomodada familia de Pittsburgh. Su padre, banquero de profesión, nunca llevó con agrado la carrera artística que eligió su hija, todo lo contrario que su madre que la animó en su empeño. Toda la familia Cassatt se trasladó a París en 1851, viviendo algunos años en Alemania, y volviendo a los Estados Unidos una década después. En 1861 empezó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes Pennsylvania de Filadelfia hasta 1865, donde adquiere un acento académico que llevará consigo a París en su retorno a la capital francesa.

En efecto, a los veintidos años se trasladó a Europa para estudiar los maestros europeos. En París estudió con destacados pintores y académicos independientes en el Louvre, volviendo a los Estados Unidos durante un corto periodo. Cassatt de nuevo regresó a Europa en 1871, ocupando su tiempo en el estudio de la pintura y la copia de los antiguos maestros en los museos en Italia, Bélgica, Holanda y España, donde residió algunos años y estudió las obras de Velázquez, al que admiraba desde su infancia junto a Rembrandt. Se estableció definitivamente en París, donde estudia en el taller de Chaplin junto a otras mujeres. Más tarde fue alumna de Couture y de Gérome que le proporcionan una gran base academicista.

Su obra y su personalidad atrajo la atención del pintor Edgar Degas, quien se convertiría en su mentor, introduciéndola en el grupo impresionista.  La influencia producida por las obras de Degas, Courbet y Eduardo Manet, la inclinaron hacia esa escuela pictórica.

Fue la única mujer estadounidense invitada a exponer junto a los impresionistas franceses. Edgar Degas la invitó a presentar sus obras con sus amigos. Pudo exponer, entre otras, El palco

o La taza de té

A esta exposición le siguieron siete más con sus cuadros de mujeres y niños, sus temas favoritos.

En 1885 pinta a la señora de Robert Moore Riddle, prima hermana de su madre, en Señora tomando el té, cuadro que destaca por el aire autoritario de la modelo y el mínimo pero elocuente uso de la línea y el color, inspirado en el estudio del grabado japonés, afición que compartía con su gran amigo Edgar Degas. Al parecer, la hija de la señora Riddle se ofendió por la presentación realista de la nariz de su madre; aun así, la pintora apreciaba tanto esta obra que se la quedó para su coleción privada, hasta que en 1923 la donó al Metropolitan Museum of Art de Nueva York, donde aún continúa expuesta.

Aprende la técnica del grabado y estudia el arte japonés que, como decimos, llega a fascinarla. En su estilo se unen como siempre las lecciones de su maestro Degas referidos a la estilización de la estampa japonesa.

La relación de las madres con sus hijos en escenarios domésticos se convirtió en su tema característico, captando de modo natural e inmediato las miradas y los gestos de los protagonistas. Pintaba a los miembros de su familia. No utilizaba modelos ni pintaba por encargo.

 

Su obra, muy discutida en sus comienzos, constituye entre los impresionistas la representación de la ternura femenina y de la gracia infantile. Las xilografías japonesas ejercieron una gran influencia en su obra, gracias a la que empezó a marcar los trazos y a experimentar con composiciones asimétricas y con gestos y posturas más naturales e informales, como en Paseo en barca.

En 1891 empezó su andadura en solitario en la galería de Paul Durand-Ruel, quien se converitiría a partir de ese momento en su marchante. Debido a su bienestar económico Cassatt compró obras de sus amigos y animó a millonarios norteamericanos a que invirtieran comprando obras impresionistas de su entorno artístico.

En 1898 se celebró en Nueva York una exposición muy completa de las obras de Cassatt. En 1907 figuraron cinco obras de Cassatt en la Exposición de Bellas Artes de Barcelona.

Sus continuos viajes la llevan a numerosos lugares europeos e incluso a Oriente Medio. En 1910 se dedicó con entusiasmo a la causa sufragista y reclutó a muchas mujeres para el movimiento. A partir de 1912 Cassatt sufre una ceguera parcial que provocará la pérdida progresiva de visión, abandonando la pintura.

Recibe la Legión de Honor francesa y la medalla de oro de la Pennsylvania Academy of Art. Gracias a su trabajo, el impresionismo se introdujo con fuerza en los Estados Unidos. También destaca su faceta como grabadora en la que muestra una marcada influencia de la estampa japonesa.

Fue la mayor difusora del impresionismo en los Estados Unidos. Muere en París en 1926.

Algunos pintores chilenos

Posted in González Escobar, Lira Rencoret, Valenzuela Llanos, Valenzuela Puelma with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on febrero 1, 2008 by Ninona
  
He tenido frecuentes visitas de una amiga de Chile, país que he visitado dos veces y que admiro profundamente. En diversos mensajes que he recibido de ella me ha descubierto algunos pintores chilenos que no conocía: hay tanto por conocer aún…  Por ello, y aprovechando la iniciativa de mi amiga, me he decidido por incluir un pequeño post sobre pintores de aquella hermosa tierra, una cosa testimonial como simple señal de agradecimiento a una amiga tan lejana de España, pero al mismo tiempo tan cercana a mí. El arte no conoce de espacio ni de tiempo. Espero que te guste, Verónica.
  
  
  
Alfredo Valenzuela Puelma (Chile, 1856-1909)
   
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Nace en Valparaíso en el año 1856. Cumple sus estudios de arte en la Academia de Pintura, bajo la tutela de los maestros Ernesto Kirchbach y Juan Mocchi. Su educación académica, que influyó mucho en sus primeras obras, pronto dio paso a una personalidad independiente. Alfredo Valenzuela perteneció al llamado “Grupo de los Cuatro Maestros”, que junto a Pedro Lira, Juan Francisco González y Alberto Valenzuela Llanos movilizaron el mundo del arte chileno a caballo entre dos siglos. Por ello el grupo es también conocido como la “Generación del Medio Siglo”, que incluía a los artistas nacidos en la década de 1850.  
  
Hacia el año 1881 parte para París, becado por su Gobierno. El entorno que le rodeó lo describe como un personaje activo y profundamente vitalista. En París aprende las técnicas de pintores de la talla de Ribera, Julio Bretón, Rembrandt y Tiziano.
  
En 1885, con la lección aprendida, regresa a Chile. De ese mismo año es su obra La perla del mercader -1- que queda expuesta en el Salón de París, adonde retorna en 1887 con una nueva beca.
  
La perla del mercader -1- -1-
  
El final de la década del los 80 del siglo XIX es el gran momento de la pintura de leyenda parisina: es el tiempo de Tolouse Lautrec, de la bohemia de Montmartre o de Gaugin huyendo hacia Panamá y La Martinica.
  
Desarrolla como tema el desnudo femenino, el cual utiliza como un factor de estilización. Un buen ejemplo es La Ninfa de las cerezas -2- que representa el punto central de su creación en ese momento. La obra respira un lirismo sublime, una poética no exenta de cotidianidad, una naturaleza muerta recogida en el seno de la vida que evoca el desnudo femenino. Otras obras que ejemplifican esto son “La Magdalena” o “Náyade cerca del agua”.
   
La Ninfa de las cerezas -2- -2- 
  
Dejando de lado el desnudo, otros temas que aparecieron en sus obras fueron la figura humana y el retrato, motivos paisajísticos tocados por el Impresionismo, naturalezas muertas, temas orientales y religiosos.
  
Se dice que es su hijo menor, Alfredo, fue su modelo para La lección de geografía -3- una de sus obras más conocidas, y su otro hijo, Rafael, posó para su retrato Mi hijo Rafael -4-. Su única hija murió a los pocos meses de nacer.
    
La lección de geograf�a -3- -3- 
  
Mi hijo Rafael -4- -4- 
  
Su último viaje a París lo realiza en 1907, sin beca y por sus propios medios. En esta ocasión trabajó en actividades no relacionadas con el arte. Su vida empezó a deteriorarse física y mentalmente, acabando sus días en 1909 ingresado en un sanatorio mental en Villejuif, un pueblo cercano a París.
  
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Alfredo Valenzuela encumbró la pintura chilena de fines del siglo XIX a cotas inéditas hasta el momento. Igualó en perfección a cualquier artista de su generación, ya fuera en América como en Europa. Chile se asomó al mundo gracias a pintores como él. Partiendo de un academicismo del que fue un verdadero maestro, llevó su arte a la genialidad sin perder el pie de las influencias de los pintores renacentistas y barrocos de los siglos XVI y XVII.   
  
  
  
Juan Francisco González Escobar (Chile, 1853-1933)
   
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Nació en Santiago de Chile el año 1853 en el seno de una familia de comerciantes. Su primer maestro fue el pintor Pedro Lira, y pasó por la Academia de Pintura y, como su compañero de generación Alfredo Valenzuela y otros tantos grandes pintores, recibió las enseñanzas de Ernesto Kirchbach y Juan Mocchi.
  
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En un entorno plagado de influencias, motivos y escuelas que revolucionaron el mundo del arte (Romanticismo, Impresionismo, Naturalismo, Realismo…), González Escobar tomó partido por una rabiosa independencia y una escapada constante hacia adelante.
  
Retrato del artista pintado por Valenzuela Puelma Retrato del artista pintado por Valenzuela Puelma 
  
Recién salido de la Academia emprende un viaje por Perú y Bolivia, cuyos paisajes y temas influirán en su arte largamente. Calle de San Fernando -1-  representa el tipo de trabajo que evocaban esos viajes. Pronto, y pese a su juventud, empieza a recibir premios, y en 1884 acepta un trabajo de profesor de dibujo en el Liceo de Hombres de Valparaíso.
  
Calle de San Fernando -1- -1-
  
Como tantos otros pintores, viaja en 1887 a París para ampliar estudios, y recorre Holanda, Italia y España. Visitó muchos museos, comisonado por su país para estudiar la organización, y cuyas obras de autores clásicos y modernos dejaron huella en su persona y su arte. De ese primer viaje a Europa quedó la costumbre de pintar sin cesar los lugares que visitaba, costumbre que mantuvo durante su segundo viaje en 1896 y su tercero en 1904, momento en que, en su estadío por España, conoce a Sorolla, con quien entablará una profunda amistad. 
  
En sus obras Calle de Limache -2- o Monumento a O’Higgins -3- podemos observar su gusto por la pincelada rápida y gruesa tan cercana al Impresionismo.
  
Calle de Limache -2- -2-
  
Monumento a O’Higgins -3- -3-
  
Formó parte del llamado Grupo de los Diez, pero mantuvo siempre una independencia artística que cultivaba como motor de su carrera artística. Nunca quiso pertenecer a ningún movimiento, a ninguna escuela…; cultivó una autonomía de la que hacen gala sus obras.
  
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Pedro Lira Rencoret (Chile, 1845-1912)
  
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Pese a estudiar leyes, el mundo del arte empujó a Lira a emprender una carrera pictórica que comenzó con sus clases en la Academia de Pintura en 1961, donde dejó huella. Durante diez años (de 1872 a 1882) vivió y estudió en París. Las técnicas que aprendió en Chile las reforzó y amplió al calor de los grandes maestros franceses, como Delaunay y Laroche, de quienes tomó el impulso hacia temáticas históricas y mitológicas tan cercanas al neoclasicismo imperante. Ejemplo de esta temática es su obra más conocida, La fundación de Santiago -1-, imagen mitificada y heróica del pasado de la ciudad de origen de Lira.
    
La fundación de Santiago -1- -1-
  
La importancia de este aprendizaje europeo radica en la asimilación de una concepción mitificada de la historia, idea que trajo consigo, muy enriquecida, en su vuelta definitiva a Chile
  
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De su retorno a Chile permanece su figura dominante en los ambientes artísticos del país, su influencia y su magisterio sobre tantos artistas que marcaron junto a él la época más floreciente de la pintura chilena. Ensayista agudo, crítico fino, Lira organizó innumerables exposiciones y actos relacionados con la promoción artística, sin nunca abandonar el ejercicio de su obra. El Museo Nacional de Bellas Artes es el resultado de su empeño como promotor.
  
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Como profesor de la Academia de Pintura durante más de treinta años, Lira defendió una postura academicista en todos los frentes, ya sea el teórico como el práctico, frente a todos aquellos nuevos aires que proclamaban la liberación del artista, la autonomía del hombre como creador de su propia obra. Siempre en disputa con el Impresionismo, Lira vivió un tiempo convulso, un ambiente en constante dialéctica, donde Lira fraguó una obra que mantuvo un difícil equilibrio entre el clasicismo académico y la presencia de su personalidad imponente en cada uno de sus cuadros.
  
  
  
Alberto Valenzuela Llanos (Chile, 1856-1909)
  
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Esa difícil lucha entre lo académico y lo independiente se percibe también en Valenzuela Llanos. Algo más joven que otros miembros de su generación, el aire de su obra (paisajística en su mayor parte) nos retrata a un hombre solitario frente al lienzo, en constante diatriva con sí mismo más que con sus contemporáneos. Alejado de los ambientes artísticos chilenos, Valenzuela Llano expoloró como pocos la aislada y serena creatividad de los paisajes.
  
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Pese a tener que ganarse la vida desde muy joven en trabajos al margen de la pintura, pronto se trasladó de su Valparaíso natal a Santiago para entrar en la Escuela de Bellas Artes (1887), para empezar a despuntar entre sus compañeros como un artista de personalidad acusada. La política de becas del Gobierno chileno también le alcanzó, pudiendo marchar a Europa en el año 1901, donde amplió estudios en importantes instituciones y donde asimiló el modernismo que imperaba en ese tiempo. De esa época son su cuadros Venecia -1- y Vista del Gran Canal -2-.
  
 Venecia -1- -1-
  
Vista del Gran Canal -2- -2-
  
Su gran dedicación y unos resultados más que excelentes le permitieron renovar varias veces la beca y así permanecer en la capital frances apara continuar con su ascenso personal y artístico. El impresionismo y el Postimpresionismo consiguieron hacerse sitio en su estilo. A su vuelta desarrolló una influyente actividad docente en diversas escuelas, pero sobre todo en la de Bellas Artes, desde cuya cátedra aleccionó brillantemente a la siguiente generación de artistas chilenos.
  
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Su relevancia no quedó constreñida a las fronteras de Chile. Vivió largas temporadas en París, y el Gobierno francés llegó a entregarle la Cruz de Caballero de la Legión de Honor mientras que era aceptado como miembro de la Sociedad de Artistas Franceses. En los Estados Unidos recibió diversos honores.
  
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El arte de Valenzuela Llanos pertenece a la luz. Cultivó diversas temáticas, pero ninguna como el paisajismo. Su pintura densa y abierta contiene todos los matices de la luz, de los colores…, parecen vivas. En  Paisaje Lo Contador -3- , vemos cómo se abre, poderosa y henchida de volumen, una pincelada llena de luz, de lenguaje, que sumadas en un collage dan la apariencia de la vida misma. Tiene el control de lo que hace; cada gesto con el pincel en la mano, cada movimiento hecho al aire libre, plasma la viveza, la experiencia, de quien no sólo quiere ser espectador del horizonte, sino que quiere vivirlo, pintarlo, ser parte de lo que observa.
  
Paisaje Lo Contador -3- -3-
  
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