Archivos para Holanda

Joan Abelló i Prat (España, 1922-2008)

Posted in Abelló i Prat with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on noviembre 19, 2011 by Ninona
  
fotografiaartista03.jpg 
  
Joan Abelló i Prat nace en Mollet del Vallès (Barcelona) en el año 1922. Hombre discreto y generoso, continúa hoy en día pintando y queriéndonos ofrecer, tela tras tela, un estilo majestuoso que él mismo ha bautizado como “explosivismo”, que es su filosofía de vida y de obra.
  
 01-barcas-al-canal-bangkok-abello.jpg 02-bali-hay-plage-huahine-abello.jpg 03-budapest-i-abello.jpg
  
142-arlequi-abello.jpg 58le-apin-agile-montmartre-abello.jpg 60los-atlas-abello.jpg
  
57la-forja-abello.jpg 62mercado-en-costa-de-marfil-abello.jpg 63panoramica-de-budapest-abello.jpg
  
68moorea-bahia-opunohu-abello.jpg 69moai-rapa-nui-isla-de-pascua-abello.jpg 70lillo-de-toledo-abello.jpg
  
De muy pequeño ya dibujaba haciendo monigotes en los mármoles de las mesas en los lugares que le era permitido. Se inicia desde muy joven en el mundo de la pintura como autodidacta influenciado por Mir, aunque siempre ha querido aprender de todos los estilos y de todos los autores.
  
fotografiaartista02.jpg El artista frente a su caballete
  
En 1940 hace su primera exposición en Mollet del Vallès. En 1941 estudia en la Academia Baixas y en el Real Círculo Artístico de Barcelona. En 1944 fue discípulo de Pere Pruna, trabajando con él durante dos años en su estudio. Pruna le enseñó la técnica del mural y del grabado. En 1945 expone su obra en Barcelona y aprende restauración en el taller de Miracle. En 1946 empezó a trabajar en el estudio de Carlos Pellicer y estuvo con él durante catorce años.
  
fotografiaartista01.jpg El artista ante su obra
  
fotografiaartista04.jpg Artista cenital
  
A mediados de los años cuarenta, Abelló desarrolló una cierta tendencia impresionista, y finales de esa década se inicia en el  postimpresionismo sin perder vínculos con el impresionismo, siempre con una explosión de colores aplicada con pinceladas violentas. Años después ha ido cambiando su estilo y practicando una pintura más matérica (tendencia del informalismo) y expresionista sin dejar nunca la figuración. Destaca como paisajista. Ha trabajado todas las técnicas: óleos, acuarelas, pastel, dibujo…
  
04barcelona-abello.jpg 05calle-de-praga-abello.jpg 06el-gran-bazar-de-estambul-abello.jpg 07cristo-abello.jpg
  
58lugano-abello.jpg 59mamao-aiui-monte-de-mamao-abello.jpg 61paisaje-camino-de-dagna-india-abello.jpg
  
 65marina-abello.jpg 67las-ramblas-de-barcelona-abello.jpg  64moulin-rouge-abello.jpg
  
73otono-abello.jpg 74la-plaza-jemaa-el-fna-abello.jpg 75la-noguera-pallaresa-abello.jpg
  
Abelló ha viajado por todo el mundo y ha trabajado en paises como Holanda, Suiza, Inglaterra, Bélgica, Italia, Francia, Isla de Man, París… En los años sesenta regresa a Mollet, donde se interesa de nuevo por los paisajes del Vallès y del Mediterráneo, pero no abandona los grandes viajes, y a los 70 años empieza una vuelta al mundo que lo conducirá a Marruecos, Egipto, Costa de Marfil, India, Tailandia, Brasil, la Isla de Pascua, como si sus raíces lo empujaran a extender sus ramas hacia todo el universo. En estos viajes se inspira para nuevas creaciones. Dos de sus obras más conocidas son
El cuc -1-  y  La mosca -2-
  
El cuc -1- -1-
  
La mosca -2- -2-
   
Expone en Londres (1969), en París (1979), en Nueva York (1982), en Moscú (2000), etc… En el 2002, recibe el diploma e insignia como académico de la Real  Academia de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona). Sus obras están expuestas en numerosos museos alrededor del mundo.
  
 09-camino-de-montmartre-paris-abello.jpg 08catedral-de-amberes-abello.jpg 10campo-de-arroz-en-bali-abello.jpg
  
11bora-bora-playa-de-matira-abello.jpg 12capri-abello.jpg 13cementerio-en-la-isla-de-man-abello.jpg
  
14benares-abello.jpg 15campo-de-golf-en-marbella-abello.jpg 16de-leie-saint-martin-laetem-belgica-abello.jpg
  
17can-mollet-abello.jpg 18dattatraya-templo-bhaktapur-nepal-abello.jpg 19el-descubrimiento-de-un-planeta-abello.jpg
  
24correos-de-barcelona-abello.jpg 23barcelona-vista-desde-el-estudio-de-la-ronda-universidad-abello.jpg 25dormitorio-de-carles-pellicer-abello.jpg
  
26autorretrato-i-abello.jpg 27autorretrato-ii-abello.jpg 28autorretrato-iii-abello.jpg 21mujer-con-su-gato-negro-abello.jpg
  
29andres-hermano-del-artista-abello.jpg 30teresa-pi-cariteu-abello.jpg 31desnudo-i-abello.jpg 32el-molino-lillo-de-amberes-abello.jpg
  
32el-volcan-rano-kau-isla-de-pascua-abello.jpg 33el-parlamento-de-londres-abelo.jpg 34isla-de-man-abello.jpg
  
20desnudo-con-gato-negro-abello.jpg 22el-vestido-azul-abello.jpg 35venus-negra-abello.jpg
  
36budapest-ii-abello.jpg 37can-magra-abello.jpg 38competicion-de-motos-en-man-abello.jpg
  
39desnudos-abello.jpg 40el-castillo-de-doidonck-abello.jpg 41el-circo-de-budapest-abello.jpg
  
146-el-casament-abello.jpg 43egipto-abello.jpg 44la-fiesta-es-el-centro-de-la-vida-social-africana-abello.jpg 
  
45el-establo-abello.jpg 46el-sena-abello.jpg 47la-casa-museo-de-pablo-neruda-rocas-negras-abello.jpg
48familia-de-nepal-abello.jpg 49el-puente-de-piedra-abello.jpg 50embarcadero-de-lillo-en-amberes-abello.jpg
  
51el-castillo-de-harbour-abello.jpg 52el-ganges-abello.jpg 53el-vaticano-roma.jpg 
  
54la-batalla-de-lepanto-abello.jpg 71paris-i-abello.jpg 72paris-ii-abello.jpg
  
55la-catedral-de-san-marcos-abello.jpg 56la-cena-abello.jpg 76notre-dame-i-abello.jpg
  
66playa-de-copacabana-abello.jpg 77llavorsi-abello.jpg 78lausane-abello.jpg
  
79noche-en-budapest-abello.jpg 80playa-del-rio-brasil-abello.jpg 81paris-iii-abello.jpg
  
82la-vall-blanca-abello.jpg 83notre-dame-ii-abello.jpg 84pan-de-azucar-brasil-abello.jpg
  
85paisaje-del-valles-abello.jpg 86puerta-de-la-paz-barcelona-abello.jpg 87plezierboten-aan-leie-abello.jpg
  
88plaza-de-la-concordia-paris-abello.jpg 89puerto-de-barcelona-abello.jpg 90pza-trafalgar-londres-abello.jpg
  
91puerto-de-folkestone-abello.jpg 93puesta-de-sol-abello.jpg 92pza-de-praga-abello.jpg
  
94puerto-de-folkestone-ii-abello.jpg 95puerto-de-folkestone-iii-abello.jpg 96pza-san-marcos-abello.jpg
  
97pza-del-reloj-praga-abello.jpg 98rio-de-brasil-abello.jpg 99ronda-malaga-ii-abello.jpg
  
100retrato-de-un-alma-abello.jpg 101ronda-malaga-i-abello.jpg 102rue-lapic-de-paris-abello.jpg
  
103saint-martin-laetem-en-invierno-abello.jpg 104saint-martin-laetem-en-otono-abello.jpg 106tanah-lot-temple-bali-abello.jpg
  
105saint-martin-laetem-en-primavera-abello.jpg 107tarde-en-paris-abello.jpg 108vista-desde-el-estudio-de-pellicer-abello.jpg
  
109venecia-i-abello.jpg 110venecia-ii-abello.jpg 111venecia-iii-abello.jpg
  
112villa-rajrai-abello.jpg 113vista-de-barcelona-abello.jpg 114vista-del-puerto-de-lillo-en-amberes-abello.jpg
  
115restaurante-del-mercado-papeete-abello.jpg 116melancolia-abello.jpg 117paquita-roma-abello.jpg
  
 122boda-en-la-india-abello.jpg 124genio-y-figura-abello.jpg 125iglesia-de-saint-martin-laetem-abello.jpg 
  
123flores-abello.jpg 126fiesta-en-bali-thailandia-abello.jpg 127jardin-de-la-moguda-abello.jpg
  
128jardin-de-la-mora-abello.jpg 129saint-martin-laetem-abello.jpg 130paseo-por-saint-martin-laetem-abello.jpg
131primavera-en-de-leie-saint-martin-laetem-belgica-abello.jpg 132premonicion-del-hobre-pajaro-abello.jpg 133los-colosos-de-memnon-egipto-abello.jpg
  
134mujeres-con-tunica-abello.jpg 136la-procesion-ogoh-ogoh-en-samur-abello.jpg 135mujer-de-costa-de-marfil-abello.jpg
  
137una-calle-de-marruecos-abello.jpg 138la-ultima-cena-abello.jpg 139jesucristo-abello.jpg
  
143-jerro-amb-flors-abello.jpg 144-paisatje-de-mollet-abello.jpg 147-adoracio-a-la-llum-abello.jpg
  
 148-autorretrate-abello.jpg 145-en-blau-abello.jpg 141la-masia-del-marques-en-la-moguda-abello.jpg 
  
118el-viejo-monteys-abello.jpg 119joaquin-mir-abello.jpg 120retrato-de-carlos-pellicer-abello.jpg 121retrato-de-joaquin-mir-abello.jpg
 
Cuando hice este post dedicado a Joan Abelló en enero del 2008, no me imaginaba que iba a fallecer el 25 de diciembre del mismo año, a un día de su ochenta y seis cumpleaños. Catalunya y el mundo entero perdió a un gran pintor, coleccionista y lo más importante, a un gran hombre.
 
  El museo Abelló en Mollet del Vallés.
 
 La casa-museo de Abelló, en Mollet del Vallés.
 
 
  
  
  

Ramon Casas i Carbó (España, 1866-1932)

Posted in Casas i Carbó with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on noviembre 14, 2011 by Ninona
 autorretratocasas1.jpg 
  
Pintor catalán contemporáneo, nacido en Barcelona el 5 de enero de 1866, hijo de Ramon Casas i Gatell, un indiano natural de Torredembarra, que había hecho fortuna en Matanzas (Cuba) y de Elisa Carbó i Ferrer, hija de una adinerada familia burguesa.
     
ninocasas.jpg Casas de niño.
  
De muy niño se distinguió en las clases de dibujo en el colegio de Carreras (Barcelona), lo que hizo que en 1877 abandonara la escuela para estudiar arte en el estudio de Joan Vicens.
  
casas0021.jpg Un joven Casas.
    
En 1881, siendo adolescente, fue cofundador de la revista L’Avenç, y en octubre de ese año, acompañado de su primo Miquel Carbó i Carbó, estudiante de medicina, realizó su primer viaje a París. Ese invierno, motivado por lo descubierto en la capital francesa, estudió en la academia particular de Carolus Durán y más tarde en la Academia Gervex. Al año siguiente expuso algunas de sus obras en la Sala Parés de Barcelona, y en 1883 expuso un autorretrato en una sala de los Champs Elysées de París; el cuadro le valió una invitación como miembro del salón de la Societé d’Artistes Françaises.
  
casasconmodelo.jpg En su estudio con una modelo.
  
Su nueva vida de artista lo arrastró por diversos lugares, estableciéndose en las estaciones frías en París (era corresponsal de la revista L’Avenç) y el resto del año en España, sobre todo en Barcelona, pero también en Madrid y Granada, demostrando un temperamento abierto que le acompañó siempre.
  
casastaller.gif En su estudio.
  
De sus experiencias en ese tiempo surge una forma nueva de ver su arte y la iniciativa de pintar cuadros de multidudes: su cuadro de 1884 Plaza de toros -1- da prioridad al público en la plaza sobre la acción taurina, y representa el inicio de esa tendencia y la mejor prueba de su variedad temática. Presenta un encuadre fragmentario, diverso, un punto de vista elevado y una construcción del espacio por medio de zonas de color contrastado que se repetirá en otras obras. En aquel momento, algunos críticos que después lo defenderían como Eduald Canibell dijeron que el cuadro podía tener interés como esbozo, pero no como obra acabada. Durante el año 1886 Casas sobrevive a una peligrosa tuberculosis. Fue en ese tiempo cuando toma contacto con artistas de la altura de Santiago Rusiñol o Ignacio Zuloaga.
  
Plaza de toros -1- -1-
  
Rusiñol se hace acompañar de Casas para la realización de un proyecto que en 1889 cristalizaría en el libro “Por Cataluña (desde mi carro)”, con textos de Rusiñol e ilustraciones de Casas. Se pintó a sí mismo en un curioso cuadro titulado  Retratándose -2-,  en el que podemos ver a Casas en un exterior, con capa y sombrero negro, y frente a él a Santiago Rusiñol con bombín y traje marrón. Se trata de un divertimento, de una especie de broma cómplice, que define perfectamente la amistad entre ambos pintores catalanes.
  
Retratándose -2- -2-
     
Regresaron juntos a París donde se alojaron en el Moulin de la Galette, en Montmartre, junto con el crítico de arte y pintor Miguel Utrillo y el dibujante Ramon Canudas. Rusiñol realizaría por aquel entonces una serie de crónicas para el periódico La Vanguardia con el título”Desde el Molino”, que contaron también con las ilustraciones del mismo Ramon Casas. La Societé d’Artistes Françaises volvió a interesarse por él, convirtiéndolo en miembro, lo que le permitiría exponer dos veces al año sin pasar previamente por ningún jurado. 
  
 06bcasasbrusaroja.jpg 07casasmiguelutrillo.jpg 04bcasasinteriormoulingalette.jpg 
  
14bcasasdonailluminada.jpg 05bcasascasasballmoulingalette.jpg 03bcasasentradamoli.jpg 
  
36bcasasperfindedona.jpg 34bcasaslaparisieneblava.jpg 35bcasaslaparisienrroja.jpg 
  
37bcasasecoenlasfiestasdetolon.jpg 38bcasaselbarretnegre.jpg 39bcasasels-cavellscarabasses.jpg
  
Volvió a exponer en 1890 en la Sala Parés de Barcelona junto con Santiago Rusiñol y el escultor Enric Clarasó, demostrando que en esa época seguía los postulados del academicismo pero que no había dejado pasar el impresionismo que había asumido en sus estadíos parisinos. De ese modo inauguró lo que se dio en llamar modernismo, movimiento cultural encabezado por intelectuales individualistas y antitradicionalistas que luchaban por equiparar el arte catalán con el resto de Europa.
  
26bcasasavansdelbany.jpg 28bcasaschula.jpg 27bcasasavansmorta.jpg 29bcasasalsbraus.jpg
  
30bcasasclubderegates.jpg 31bcasascamianticdevilanova.jpg 32bcasaselportderoses.jpg
  
 40bcasaseldespertar.jpg 41bcasaselisacasasambllacnegre.jpg 43bcasasambmonyoalmgalette.jpg 44bcasaslasraviduadecodina.jpg
   
 46bcasasalpalcodelliceo.jpg 47bcasascosdeballliceo.jpg 48bcasasantepalcodelliceo.jpg
  
El modernismo tuvo su centro en Els 4 Gats, un café que se inauguró en la barcelonesa casa Marti en el barrio gótico, y que fue regentado por Pere Romeu y financiado por Ramon Casas, inspirado como el propio estilo artístico en su referente parisino Le Chat Noir. El local todavía puede visitarse en una reconstrucción fiel que respeta el lugar y la decoración que tenía en los tiempos de Casas, como demuestra la conservación de una copia del  cuadro Ramon Casas y Pere Romeu en tandem -3-  presidiendo una de las paredes principales. Casas utiliza en esta pintura una técnica más propia del cartel comercial que de la pintura al óleo. Sintetiza su estilo al máximo. Así, el fondo queda reducido a una simple línea que evoca una silueta urbana, mientras que las figuras se tratan con colores planos y vivos confinados por los gruesos trazos negros que las delimitan. En la parte superior de la derecha, el artista había escrito “Per anar amb bicicleta no’s pot dur l’esquena dreta” en catalán original (“Para ir en bicicleta no se puede ir con la espalda recta”), haciendo mención a la postura que adopta en el mismo Pere Romeu y que implica que la mayor parte del esfuerzo de pedalear lo está haciendo su compañero Ramon Casas. Cuando el local se cerró, la pintura se vendió y su comprador la hizo recortar prescindiento de nueve centímetros de tela en la parte inferior y de un metro de ancho. De esta forma, la rueda derecha quedó cortada, así como la frase anterior. Al quedar ésta incompleta, nuevo el propietario hizo tapar las palabras que habían quedado intactas. 
  
 Ramon Casas y Pere Romeu en tandem -3-  -3-
  
En esa época pintó un gran número de estudios y retratos, de los que son excelente muestra el lienzo Al aire libre -4- y el retrato del compositor Erik Satie, titulado Un bohemio -5-. Pero una de sus obras más importantes de ese tiempo fue  Chica en un bar -6-, también llamada Madeleine, donde se recoge de forma relajada el ambiente bohemio de finales del XIX. El cuadro parece ubicarse a medio camino entre el impresionismo francés y el estilo académico. El tono rojizo del pelo de la chica armoniza con el encendido color de la blusa y la bebida. Ello se compensa mediante los tonos blancos de la falda y la pared. La expresión de la muchacha aporta poca información: puede que sea tímida, quizá esté muy triste o simplemente aburrida, aunque parece demasiado ensimismada en su entorno para mostrar cualquier sentimiento. Sea como fuere, se trata de un excelente ejemplo del don de Casas para el retrato.
  
Els 4 Gats -Els 4 Gats.
  
Al aire libre -3- -4-
  
Un bohemio -4- -5-  10casasericsatieunbohemidetall.jpg -Detalle. 
   
162bcasasericsatie.jpg -Esbozo.
  
Chica en un bar -5- -6-     casasmadeleinedetalle.jpg -Detalle.
  
Como artista modernista empezó a ser conocido nacional e internacionalmente (Madrid, Berlín, Chicago recibieron exposiciones suyas), y a la altura de esa época organizó con Rusiñol constantes exposiciones en Barcelona y Sitges, pequeño pueblo costero catalán que se convitió gracias a Rusiñol en un centro cultural fundamental entre los artistas del momento.
    
13bcasasretratodesantiagorusinol.jpg 15bcasasinterioralairelliure.jpg 16bcasasballdetarde.jpg
  
17bcasasautorretratoaltaller.jpg 18bcasasbuscanalrebosc.jpg 19bcasasassegudaaljardi.jpg
  
45bcasasautorretratoandaluz.jpg 42bcasaselmocadorblau.jpg 33bcasaslamitjdiada.jpg
  
49bcasasdonanua.jpg 50bcasasdonanua2.jpg 51bcasasdonanua3.jpg
  
Fue escogido en 1900 para representar a España en la Exposición Universal de París, llevando para ello un retrato de su hermana Elisa Casas -7- con un precioso traje blanco adornado con claveles, guantes de ante y abanico, y el ya famoso de Erik Satie. Siguiendo su carrera internacional, la impactante pintura sobre la pena de muerte titulada El garrote vil -8-inaugura su serie de cuadros de crónica social. El pintor reflejó en esta obra la ejecución de Aniceto Peinador, un joven de diecinueve años ajusticiado en 1893, en la cárcel de la calle Amalia de Barcelona. De nuevo, el punto de vista elevado es el de un testigo, sin eliminar detalles como el árbol en primer término que impide la visión de la escena, estorbando incluso la del patíbulo y actuando como referente espacial. Con objetividad, el pintor describe el carácter del acontecimiento público de la ejecución, sin centrarse en ningún protagonista concreto, ni siquiera el reo, que apenas se entrevé entre el verdugo y los confesores, y dejando que el espectador pasee su vista como podría hacerlo un testigo presencial. Esta obra ganó uno de los premios en Munich en 1901. Otro momento crucial fue cuando el Gran Teatre del Liceo, emporio de la burguesía catalana, abrió su exclusivo Círculo para exponer permanentemente doce obras suyas.
  
Elisa Casas -7- -7-  
  
El garrote vil -8- -8-
  
En 1896 una bomba anarquista estalló en mitad de la procesión del Corpus Christi que salía de la barcelonesa iglesia de Santa María del Mar, matando a doce personas y sembrando el terror en la ciudad. Casas elige en su obra El Corpus Christi -9-  el momento de la salida de la procesión antes de su paso por la calle de Canvis Nous, donde se produjo el atentado. La escena está encuadrada desde arriba y el pintor se recrea en el juego cromático y festivo de los estandartes, las colgaduras de los balcones y los velos blancos de las niñas vestidas de Primera Comunión que acompañan la procesión, aludiendo así al caos y la desesperación que se producirá poco después y del que sus víctimas son ignorantes. La técnica, de pinceladas rápidas y poco cargadas de materia, es propia de cuadros de pequeño formato, pero resulta muy difícil de aplicar en una tela de estas dimensiones. Casas aplica, una vez más con gran audacia, los recursos de la pintura moderna a un género que parecía vedado para ella.
  
El Corpus Christi - 8- -9-
  
En 1903 es elegido miembro del Salon du Champ de Mars de París, lo que le proporciona el privilegio de exponer allí anualmente. En su presentación ofreció su célebre La carga -10-,  otra obra de multitudes que tomaba partido nuevamente en los conflictos sociales de principios de siglo. La obra hace alusión a una huelga en Barcelona en 1902, aunque se sabe que Casas lo pintó en 1899 y que, al ser rechazada en la Exposición Universal de París de 1900, la presentó en la Exposición General de Madrid de 1904, donde obtendría  el primer premio. De nuevo Casas insiste en dar una alternativa moderna a los cuadros de historia, recurriendo a un formato de grandes dimensiones. A diferencia de El garrote vil, el pintor opta aquí por centrar dramáticamente el conflicto en el guardia civil a caballo que arrolla a un manifestante; ambos sin embargo, no ocupan el centro de la composición, sino que, desde el extremo derecho, son el punto de partida de un espacio panorámico que se despliega en abanico hacia la izquierda, traduciendo expresivamente el movimiento de la multitud despavorida que huye de los sables policiales. En el centro, un gran espacio vacío completa el drama y remata una composición insólita para un cuadro de este tipo. Una vez más, Casas adapta con asombrosa facilidad su técnica suelta, de manchas contrastadas y luz difuminada, a un formato inusual. En 1910, realizó una nueva versión reducida, con el guardia civil a pie, que se conserva en una colección americana.
  
La carga -8- -10-
    
Fue en su estancia en Madrid durante la Exposición cuando dibujó una serie de caricaturas de personajes de la sociedad madrileña, incluidos pintores como Sorolla. Le fue encargado un Retrato ecuestre del rey Alfonso XIII -11-,  recientemente coronado como rey de España. 
  
Retrato ecuestre del rey Alfonso XIII -9- -11-
   
A su vuelta a Barcelona conoce a Júlia Peraire, bella vendedora callejera de lotería de la que se encaprichó febrilmente. La convirtió en su amante y su modelo, y aunque les diferenciaban 22 años de edad, siguieron juntos toda la vida. La sargentain -12- es uno de los primeros retratos que Casas le dedicara, demostrando una fascinación renovada por la belleza del retrato y exhibiendo un erotismo sereno que impregnó esa parte de la obra y de la vida del artista. La  entrada en sociedad de la joven vendedora repercutió en la temática de sus retratos: imágenes de burguesa altiva, con ropajes dignos de la irrupción en su nueva clase, confirmando su derecho a pasearse por los salones que hasta enconces le estaban vedados. Se casó con ella en 1922, cuando logró vencer la oposición familiar.
   
La sargentain -11- -12- 
  
Casas se convirtió con los años en el pintor más cotizado de la burguesía catalana, cultivando en la última etapa de su producción artística algo tan finamente burgués como el retrato. En 1908, junto a Charles Deering, Casas realiza un viaje por Cataluña, en el que el millonario americano compra el antiguo hospital de Sitges, restaurándolo y reformándolo para residir temporalmente en él, renombrándolo Maricel. En noviembre viaja a los Estados Unidos y Cuba, invitado por Mr. Deering, y realiza una docena de retratos al óleo y una treintena al carbón de personas conocidas por Mr. Deering. En el mismo año pinta el Retrato de la Sra. Baladia -13- , en el que Casas adopta un esquema de la figura femenina que tuvo mucho éxito entre la alta sociedad. Éste era el segundo retrato que Casas hacía a tal modelo, y en él como en el anterior el artista plasma perfectamente la belleza de una serena dama burguesa. La figura aparece sentada con las piernas superpuestas, en una actitud relajada y con una mirada de cierta complicidad con el artista, amigo de la retratada. Destaca la cualidad en el tratamiento de los pliegues del vestido blanco, el sombrero situado a su derecha, la flor sostenida y que es ofrecida al espectador, así como la expresión de la Sra. Baladia a base de un detallado dibujo que destaca las cualidades de su delicada piel. Como la obra le gustó mucho a su autor, solicitó poder exponerla en la Esposición Universal de Bruselas de 1910.
  
Retrato de la Sra. Baladia -12- -13-
  
En 1909, vuelve a Barcelona y continúa con sus exposiciones. En 1910 y 1911 viaja por Europa central y por Holanda.
En 1912 hereda el Monasterio benedictino de Sant Benet de Bages, situado en el término municipal de Sant Frutós del Bages, comarca catalana del Bages.
  
Sant Benet de Bages –Sant Benet de Bages.
  
En 1913 viaja con Mr. Deering a Galicia, y a su regreso se traslada a vivir a Sant Gervasi, a una torre en la calle Descartes de Barcelona. En 1916, viaja a Tamarit con Charles Deering, quien compra todo el pueblo; Casas se encargará de hacerlo restaurar. También adquiere la casa Xicarrons de Sitges, contigua al Cau Ferrat. 
  
52bcasasmr-charlesdeering.jpg 53bcasasfamiliasanchezlarragoiti.jpg 54bcasascatalineta.jpg
57bcasasjulia.jpg 58bcasasjuliademanola.jpg 56bcasasdecadent.jpg 
  
59bcasasestudiodelnaturalalfonsoxiii.jpg 60bcasaselbalanci.jpg 61bcasaselpati.jpg
  
63bcasaselbany.jpg 62bcasasflorsdesfullades.jpg 64bcasasdonanua5.jpg
  
En 1918 Casas visita el frente en el transcurso de la Primera Guerra Mundial, quedando profundamente afectado. En 1921 se reemprenden las exposiciones de Rusiñol, Casas y Clarasó en la Sala Parés. Continuó exponiendo junto a Santiago Rusiñol, cultivando con maestría el arte del retrato y del paisaje, hasta la muerte de éste en 1931. Sólo un año después fallecería también Ramon Casas.
  
65bcasaslaperla.jpg 66bcasasentreduesllums.jpg 67bcasaslessenyoretesnn.jpg 68bcasaselisacasas.jpg
  
69bcasasdonaemmantellinaespanyola.jpg 70bcasasel-dr-albertoroquer.jpg 71bcasasjuliadeblancirosa.jpg 72bcasasjosepcodina.jpg
  
73bcasasautorretratocamisaazul.jpg 74bcasasinteriortallerdespresdunafesta.jpg 75bcasasinteriordeltaller.jpg
  
77bcasassortdelpicador.jpg 78bcasaspicador.jpg 76bcasasplacadelsbraus.jpg
  
81bcasasautorretratoblancinegre.jpg 79bcasascuaresma.jpg 82bcasasjuliaambmocadorblau.jpg 110bcasasvestidadeblanc.jpg
  
83bcasasjuliaasseguda.jpg 84bcasasjuliablancinegre.jpg 85bcasasdolorsvidal.jpg 87bcasasdonamoliasseguda.jpg
  
88bcasaslesagradcoeur.jpg 89bcasaslamare.jpg 90bcasasinterior.jpg 92bcasaslanenasarda.jpg
  
94bcasaslescaramelles.jpg 93bcasasjuliaenelclaustrodelmonasteriodesantbenet.jpg 95bcasasmariarusinol.jpg 116bcasasjuliavestidadecordobesa.jpg
  
99bcasasomianttruites.jpg 91bcasaslamaestranzasevilla.jpg 96bcasasmarialuisaabadal.jpg 98casasninocongorra.jpg
  
 104bcasaspreparantelbany.jpg 100bcasaspaisatgeenblau.jpg 115bcasaslavidua.jpg
   
103bcasaslasortdepicarelbrau.jpg 102bcasasmatador.jpg 101bcasasnaixementmontmartre.jpg
  
109bcasassalodescansliceo.jpg 107btcasasteatrenovetats.jpg 108bcasassardanesfontsantrocolot.jpg
  
105bcasasplacadebrausa-la-sombra.jpg 106bcasasjoanbofillmartorell.jpg 111bcasasviolonchelistagalvez.jpg 115bcasaslavidua.jpg
  
112bcasassensualitat.jpg 114bcasasmanola.jpg 117dcasaslallum.jpg 123bcasasretrat.jpg
  
113bcasaspaseigpelriu.jpg 86bcasasdonafrontelmoli.jpg 122bcasaselpintorilasevamuller.jpg
  
119bcasaspereromeu.jpg 118bcasasmonja.jpg 120bcasascordemonjes.jpg 148bcasasmontserratcasas.jpg
  
121bcasasesperant.jpg 124bcasastempsmoderns.jpg 125bcasaselbarretblanc.jpg 129belisacasasambvestitgris.jpg
  
152bcasasretratoderamncasaspadre.jpg 128bcasasalcalordelallar.jpg casascafeconcert.jpg 127bcasasembarcdetropes.jpg
  
134bcasaslacamarera.jpg 131bcasasdonaambcampana.jpg 132bcasasdonaisoldat.jpg 133bcasasalafresca.jpg
  
 137bcasaselvestitvermell.jpg 138bcasasestudicartellroig.jpg 141bcasasignasiiglesias.jpg 126bcasaslesregates.jpg
  
 140bcasasflorslilesalcapell.jpg 144bcasasladonadevermell.jpg 139bcasaselvestitlila.jpg 153bcasasisidrenonell.jpg
 143bcasasladonadegroc.jpg 145bcasaslatoilette.jpg 146bcasaslaverbena.jpg
  
150bcasasmodestoteixidor.jpg 151bcasassenyora.jpg 147bcasasnoia.jpg 130bcasasbadila.jpg
   
 154bcasasjoanpellicerimontseny.jpg 155bcasasjulivallmitjana.jpg 156bcasaslluismillet.jpg 157bcasasmanolohugue.jpg 160bcasassantiagorusinol.jpg
  
168bcasasjoaquintorresgarcia.jpg 161bcasashansbatge.jpg  158bcasasretratodepablopicasso.jpg 159bcasasretratodepablopicassodetall.jpg
  
165bcasasjoseppuigicadafalch.jpg 164bcasaseugenidors.jpg 163bcasasdarioderogoyos.jpg
  
166bcasasjacintverdaguer.jpg 168bcasasmurgell.jpg 169bcasasmariavayreda.jpg 170bcasasviatgeambcarro.jpg
  
171bcasasirusinolalacasademontmartre.jpg 172bcasasrusinolpintantalairelliure.jpg 173bcassacasellasirusinol.jpg
  
174bcasasopera.jpg 175bcasasambariescuma.jpg 176bcasaslolaplumet.jpg
185bcasascopatividavo.jpg 177bcasasmontmartre.jpg 178bcasasmontmartre.jpg 
179bcasasanisdelmono.jpg 180bcasascon-una-falda-de-percal-plancha.jpg 181bcasasdios-los-cria-y-ellos-se-juntan.jpg 186bcasascopacatalunya.jpg
183bcasaspelploma.jpg 182bcasaspelplomafoular-rosa.jpg 184casaspelplomablancinegre.jpg
187casasels4gats.jpg 188bcasassombras.jpg signatura_p.jpg
  
   
  

Mary Stevenson Cassatt (Estados Unidos, 1844-1926)

Posted in Cassatt with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on abril 28, 2008 by Ninona

           

Hay quien dice que Mary Stevenson Cassatt fue la Jane Austen de la pintura. Como la escritora británica, sus cuadros, engañosamente serenos y superficiales, dedicados a mujeres normales en situaciones cotidianas, contienen varios niveles de tensión dramática, carácter y profundidad tanto psicológica como emocional que los dotan de gran calidad artística.

 

Nació el 22 de mayo de 1944 en Allegheny City, Pennsylvania, en el seno de una acomodada familia de Pittsburgh. Su padre, banquero de profesión, nunca llevó con agrado la carrera artística que eligió su hija, todo lo contrario que su madre que la animó en su empeño. Toda la familia Cassatt se trasladó a París en 1851, viviendo algunos años en Alemania, y volviendo a los Estados Unidos una década después. En 1861 empezó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes Pennsylvania de Filadelfia hasta 1865, donde adquiere un acento académico que llevará consigo a París en su retorno a la capital francesa.

En efecto, a los veintidos años se trasladó a Europa para estudiar los maestros europeos. En París estudió con destacados pintores y académicos independientes en el Louvre, volviendo a los Estados Unidos durante un corto periodo. Cassatt de nuevo regresó a Europa en 1871, ocupando su tiempo en el estudio de la pintura y la copia de los antiguos maestros en los museos en Italia, Bélgica, Holanda y España, donde residió algunos años y estudió las obras de Velázquez, al que admiraba desde su infancia junto a Rembrandt. Se estableció definitivamente en París, donde estudia en el taller de Chaplin junto a otras mujeres. Más tarde fue alumna de Couture y de Gérome que le proporcionan una gran base academicista.

Su obra y su personalidad atrajo la atención del pintor Edgar Degas, quien se convertiría en su mentor, introduciéndola en el grupo impresionista.  La influencia producida por las obras de Degas, Courbet y Eduardo Manet, la inclinaron hacia esa escuela pictórica.

Fue la única mujer estadounidense invitada a exponer junto a los impresionistas franceses. Edgar Degas la invitó a presentar sus obras con sus amigos. Pudo exponer, entre otras, El palco

o La taza de té

A esta exposición le siguieron siete más con sus cuadros de mujeres y niños, sus temas favoritos.

En 1885 pinta a la señora de Robert Moore Riddle, prima hermana de su madre, en Señora tomando el té, cuadro que destaca por el aire autoritario de la modelo y el mínimo pero elocuente uso de la línea y el color, inspirado en el estudio del grabado japonés, afición que compartía con su gran amigo Edgar Degas. Al parecer, la hija de la señora Riddle se ofendió por la presentación realista de la nariz de su madre; aun así, la pintora apreciaba tanto esta obra que se la quedó para su coleción privada, hasta que en 1923 la donó al Metropolitan Museum of Art de Nueva York, donde aún continúa expuesta.

Aprende la técnica del grabado y estudia el arte japonés que, como decimos, llega a fascinarla. En su estilo se unen como siempre las lecciones de su maestro Degas referidos a la estilización de la estampa japonesa.

La relación de las madres con sus hijos en escenarios domésticos se convirtió en su tema característico, captando de modo natural e inmediato las miradas y los gestos de los protagonistas. Pintaba a los miembros de su familia. No utilizaba modelos ni pintaba por encargo.

 

Su obra, muy discutida en sus comienzos, constituye entre los impresionistas la representación de la ternura femenina y de la gracia infantile. Las xilografías japonesas ejercieron una gran influencia en su obra, gracias a la que empezó a marcar los trazos y a experimentar con composiciones asimétricas y con gestos y posturas más naturales e informales, como en Paseo en barca.

En 1891 empezó su andadura en solitario en la galería de Paul Durand-Ruel, quien se converitiría a partir de ese momento en su marchante. Debido a su bienestar económico Cassatt compró obras de sus amigos y animó a millonarios norteamericanos a que invirtieran comprando obras impresionistas de su entorno artístico.

En 1898 se celebró en Nueva York una exposición muy completa de las obras de Cassatt. En 1907 figuraron cinco obras de Cassatt en la Exposición de Bellas Artes de Barcelona.

Sus continuos viajes la llevan a numerosos lugares europeos e incluso a Oriente Medio. En 1910 se dedicó con entusiasmo a la causa sufragista y reclutó a muchas mujeres para el movimiento. A partir de 1912 Cassatt sufre una ceguera parcial que provocará la pérdida progresiva de visión, abandonando la pintura.

Recibe la Legión de Honor francesa y la medalla de oro de la Pennsylvania Academy of Art. Gracias a su trabajo, el impresionismo se introdujo con fuerza en los Estados Unidos. También destaca su faceta como grabadora en la que muestra una marcada influencia de la estampa japonesa.

Fue la mayor difusora del impresionismo en los Estados Unidos. Muere en París en 1926.

Algunos pintores chilenos

Posted in González Escobar, Lira Rencoret, Valenzuela Llanos, Valenzuela Puelma with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on febrero 1, 2008 by Ninona
  
He tenido frecuentes visitas de una amiga de Chile, país que he visitado dos veces y que admiro profundamente. En diversos mensajes que he recibido de ella me ha descubierto algunos pintores chilenos que no conocía: hay tanto por conocer aún…  Por ello, y aprovechando la iniciativa de mi amiga, me he decidido por incluir un pequeño post sobre pintores de aquella hermosa tierra, una cosa testimonial como simple señal de agradecimiento a una amiga tan lejana de España, pero al mismo tiempo tan cercana a mí. El arte no conoce de espacio ni de tiempo. Espero que te guste, Verónica.
  
  
  
Alfredo Valenzuela Puelma (Chile, 1856-1909)
   
valenzuelapuelma.jpg
  
Nace en Valparaíso en el año 1856. Cumple sus estudios de arte en la Academia de Pintura, bajo la tutela de los maestros Ernesto Kirchbach y Juan Mocchi. Su educación académica, que influyó mucho en sus primeras obras, pronto dio paso a una personalidad independiente. Alfredo Valenzuela perteneció al llamado “Grupo de los Cuatro Maestros”, que junto a Pedro Lira, Juan Francisco González y Alberto Valenzuela Llanos movilizaron el mundo del arte chileno a caballo entre dos siglos. Por ello el grupo es también conocido como la “Generación del Medio Siglo”, que incluía a los artistas nacidos en la década de 1850.  
  
Hacia el año 1881 parte para París, becado por su Gobierno. El entorno que le rodeó lo describe como un personaje activo y profundamente vitalista. En París aprende las técnicas de pintores de la talla de Ribera, Julio Bretón, Rembrandt y Tiziano.
  
En 1885, con la lección aprendida, regresa a Chile. De ese mismo año es su obra La perla del mercader -1- que queda expuesta en el Salón de París, adonde retorna en 1887 con una nueva beca.
  
La perla del mercader -1- -1-
  
El final de la década del los 80 del siglo XIX es el gran momento de la pintura de leyenda parisina: es el tiempo de Tolouse Lautrec, de la bohemia de Montmartre o de Gaugin huyendo hacia Panamá y La Martinica.
  
Desarrolla como tema el desnudo femenino, el cual utiliza como un factor de estilización. Un buen ejemplo es La Ninfa de las cerezas -2- que representa el punto central de su creación en ese momento. La obra respira un lirismo sublime, una poética no exenta de cotidianidad, una naturaleza muerta recogida en el seno de la vida que evoca el desnudo femenino. Otras obras que ejemplifican esto son “La Magdalena” o “Náyade cerca del agua”.
   
La Ninfa de las cerezas -2- -2- 
  
Dejando de lado el desnudo, otros temas que aparecieron en sus obras fueron la figura humana y el retrato, motivos paisajísticos tocados por el Impresionismo, naturalezas muertas, temas orientales y religiosos.
  
Se dice que es su hijo menor, Alfredo, fue su modelo para La lección de geografía -3- una de sus obras más conocidas, y su otro hijo, Rafael, posó para su retrato Mi hijo Rafael -4-. Su única hija murió a los pocos meses de nacer.
    
La lección de geograf�a -3- -3- 
  
Mi hijo Rafael -4- -4- 
  
Su último viaje a París lo realiza en 1907, sin beca y por sus propios medios. En esta ocasión trabajó en actividades no relacionadas con el arte. Su vida empezó a deteriorarse física y mentalmente, acabando sus días en 1909 ingresado en un sanatorio mental en Villejuif, un pueblo cercano a París.
  
calleconcepcionvalenzuela.jpg elninofezvalenzuela.jpg sobrelaalfombravalenzuela.jpg lamamafelizvalenzuela.jpg
  
floresenelcaminovalenzuela.jpg lasiestavalenzuela.jpg valenzuela-puelma1.jpg
  
ninaconvestidoamarillovalenzuela.jpg sevillanafumandovalenzuela.jpg elpequenoalmirantevalenzuela.jpg desnudomasculinovalenzuela.jpg
  
sevillanavalenzuela.jpg jarronymantasevillanavalenzuela.jpg saliendodecazavalenzuela.jpg
  
  
Alfredo Valenzuela encumbró la pintura chilena de fines del siglo XIX a cotas inéditas hasta el momento. Igualó en perfección a cualquier artista de su generación, ya fuera en América como en Europa. Chile se asomó al mundo gracias a pintores como él. Partiendo de un academicismo del que fue un verdadero maestro, llevó su arte a la genialidad sin perder el pie de las influencias de los pintores renacentistas y barrocos de los siglos XVI y XVII.   
  
  
  
Juan Francisco González Escobar (Chile, 1853-1933)
   
fotodelartista1.jpg
  
Nació en Santiago de Chile el año 1853 en el seno de una familia de comerciantes. Su primer maestro fue el pintor Pedro Lira, y pasó por la Academia de Pintura y, como su compañero de generación Alfredo Valenzuela y otros tantos grandes pintores, recibió las enseñanzas de Ernesto Kirchbach y Juan Mocchi.
  
fotodelartista3.jpg
  
En un entorno plagado de influencias, motivos y escuelas que revolucionaron el mundo del arte (Romanticismo, Impresionismo, Naturalismo, Realismo…), González Escobar tomó partido por una rabiosa independencia y una escapada constante hacia adelante.
  
Retrato del artista pintado por Valenzuela Puelma Retrato del artista pintado por Valenzuela Puelma 
  
Recién salido de la Academia emprende un viaje por Perú y Bolivia, cuyos paisajes y temas influirán en su arte largamente. Calle de San Fernando -1-  representa el tipo de trabajo que evocaban esos viajes. Pronto, y pese a su juventud, empieza a recibir premios, y en 1884 acepta un trabajo de profesor de dibujo en el Liceo de Hombres de Valparaíso.
  
Calle de San Fernando -1- -1-
  
Como tantos otros pintores, viaja en 1887 a París para ampliar estudios, y recorre Holanda, Italia y España. Visitó muchos museos, comisonado por su país para estudiar la organización, y cuyas obras de autores clásicos y modernos dejaron huella en su persona y su arte. De ese primer viaje a Europa quedó la costumbre de pintar sin cesar los lugares que visitaba, costumbre que mantuvo durante su segundo viaje en 1896 y su tercero en 1904, momento en que, en su estadío por España, conoce a Sorolla, con quien entablará una profunda amistad. 
  
En sus obras Calle de Limache -2- o Monumento a O’Higgins -3- podemos observar su gusto por la pincelada rápida y gruesa tan cercana al Impresionismo.
  
Calle de Limache -2- -2-
  
Monumento a O’Higgins -3- -3-
  
Formó parte del llamado Grupo de los Diez, pero mantuvo siempre una independencia artística que cultivaba como motor de su carrera artística. Nunca quiso pertenecer a ningún movimiento, a ninguna escuela…; cultivó una autonomía de la que hacen gala sus obras.
  
calledemelipillagonzalez.jpg carretelasenlavegagonzalez.jpg clavelessobrelahierbagonzalez.jpg
  
jarrondeporcelanayfloresgoznalez.jpg rosassilvestresgonzalez.jpg tresrosasgonzalez.jpg
  
limachitogonzalez.jpg hongosgonzalez.jpg augusto-dhalmargonzalez.jpg
  
  
  
Pedro Lira Rencoret (Chile, 1845-1912)
  
  lirarencoret.jpg
  
Pese a estudiar leyes, el mundo del arte empujó a Lira a emprender una carrera pictórica que comenzó con sus clases en la Academia de Pintura en 1961, donde dejó huella. Durante diez años (de 1872 a 1882) vivió y estudió en París. Las técnicas que aprendió en Chile las reforzó y amplió al calor de los grandes maestros franceses, como Delaunay y Laroche, de quienes tomó el impulso hacia temáticas históricas y mitológicas tan cercanas al neoclasicismo imperante. Ejemplo de esta temática es su obra más conocida, La fundación de Santiago -1-, imagen mitificada y heróica del pasado de la ciudad de origen de Lira.
    
La fundación de Santiago -1- -1-
  
La importancia de este aprendizaje europeo radica en la asimilación de una concepción mitificada de la historia, idea que trajo consigo, muy enriquecida, en su vuelta definitiva a Chile
  
lasiestalira.jpg mujerconsombrillaeneljardinlira.jpg elninoenfermolira.jpg
   
lacartalira.jpg damafrentealespejolira.jpg lamujerdelosalfilereslira.jpg ninaconpanuelolira.jpg
  
De su retorno a Chile permanece su figura dominante en los ambientes artísticos del país, su influencia y su magisterio sobre tantos artistas que marcaron junto a él la época más floreciente de la pintura chilena. Ensayista agudo, crítico fino, Lira organizó innumerables exposiciones y actos relacionados con la promoción artística, sin nunca abandonar el ejercicio de su obra. El Museo Nacional de Bellas Artes es el resultado de su empeño como promotor.
  
bodegonconfrutaslira.jpg bodegonfrutaslira.jpg elestanquelira.jpg
  
elninoenfermolira.jpg elvallecentrallira.jpg lacampinafrancesalira.jpg
  
mujerconsombrillalira.jpg parquecousinolira.jpg mujerfrenteelbalconlira.jpg
  
contraluzlira.jpg enedaddemerecerlira.jpg la-cartadeamorlira.jpg lecturainterrumpidalira.jpg
  
Como profesor de la Academia de Pintura durante más de treinta años, Lira defendió una postura academicista en todos los frentes, ya sea el teórico como el práctico, frente a todos aquellos nuevos aires que proclamaban la liberación del artista, la autonomía del hombre como creador de su propia obra. Siempre en disputa con el Impresionismo, Lira vivió un tiempo convulso, un ambiente en constante dialéctica, donde Lira fraguó una obra que mantuvo un difícil equilibrio entre el clasicismo académico y la presencia de su personalidad imponente en cada uno de sus cuadros.
  
  
  
Alberto Valenzuela Llanos (Chile, 1856-1909)
  
valenzuela.jpg
  
Esa difícil lucha entre lo académico y lo independiente se percibe también en Valenzuela Llanos. Algo más joven que otros miembros de su generación, el aire de su obra (paisajística en su mayor parte) nos retrata a un hombre solitario frente al lienzo, en constante diatriva con sí mismo más que con sus contemporáneos. Alejado de los ambientes artísticos chilenos, Valenzuela Llano expoloró como pocos la aislada y serena creatividad de los paisajes.
  
valenzuelallanos.jpg
  
Pese a tener que ganarse la vida desde muy joven en trabajos al margen de la pintura, pronto se trasladó de su Valparaíso natal a Santiago para entrar en la Escuela de Bellas Artes (1887), para empezar a despuntar entre sus compañeros como un artista de personalidad acusada. La política de becas del Gobierno chileno también le alcanzó, pudiendo marchar a Europa en el año 1901, donde amplió estudios en importantes instituciones y donde asimiló el modernismo que imperaba en ese tiempo. De esa época son su cuadros Venecia -1- y Vista del Gran Canal -2-.
  
 Venecia -1- -1-
  
Vista del Gran Canal -2- -2-
  
Su gran dedicación y unos resultados más que excelentes le permitieron renovar varias veces la beca y así permanecer en la capital frances apara continuar con su ascenso personal y artístico. El impresionismo y el Postimpresionismo consiguieron hacerse sitio en su estilo. A su vuelta desarrolló una influyente actividad docente en diversas escuelas, pero sobre todo en la de Bellas Artes, desde cuya cátedra aleccionó brillantemente a la siguiente generación de artistas chilenos.
  
 atardecerenquebradalollolvalenzuela.jpg calleantiguadelimachevalenzuela.jpg paisajeconcordilleravalenzuela.jpg
  
 paisajedelollolvalenzuela.jpg valparaisoen1895valenzuela.jpg riveradelmapochovalenzuela.jpg
  
Su relevancia no quedó constreñida a las fronteras de Chile. Vivió largas temporadas en París, y el Gobierno francés llegó a entregarle la Cruz de Caballero de la Legión de Honor mientras que era aceptado como miembro de la Sociedad de Artistas Franceses. En los Estados Unidos recibió diversos honores.
  
aorillasdelmarnevalenzuela.jpg paisajeconmanzanillasvalenzuela.jpg paisajedeinviernovalenzuela.jpg
  
El arte de Valenzuela Llanos pertenece a la luz. Cultivó diversas temáticas, pero ninguna como el paisajismo. Su pintura densa y abierta contiene todos los matices de la luz, de los colores…, parecen vivas. En  Paisaje Lo Contador -3- , vemos cómo se abre, poderosa y henchida de volumen, una pincelada llena de luz, de lenguaje, que sumadas en un collage dan la apariencia de la vida misma. Tiene el control de lo que hace; cada gesto con el pincel en la mano, cada movimiento hecho al aire libre, plasma la viveza, la experiencia, de quien no sólo quiere ser espectador del horizonte, sino que quiere vivirlo, pintarlo, ser parte de lo que observa.
  
Paisaje Lo Contador -3- -3-
  
paisajelocontadordetalle1.jpg Detalle -1-
  
paisajelocontadordetalle2.jpg Detalle -2-
  

Jan van der Meer o Vermeer (Holanda, 1632-1675)

Posted in Vermeer with tags , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , on enero 9, 2008 by Ninona

verm36611.jpg  

Pintor holandés del siglo XVII. Su padre, Reyner Janszoon Vos, nació en 1591, en Amberes, trasladándose a Ámsterdam para especializarse en el tejido de la seda a los 20 años. Se casó en 1615 con Digna Baltens instalándose en Delft, donde alquilaron una hostería llamada “Vos” (el zorro, en referencia a su apellido), sin abandonar los trabajos de tejedor. Asimismo, se dedicó al comercio de objetos artísticos, perteneciendo al gremio de San Lucas de la ciudad. En 1625 Reyner utilizaba ya el apellido Vermeer. Jan Vermeer fue bautizado en Delft, ciudad donde nació, el 31 de octubre de 1632 como segundo hijo y único varón del matrimonio. Sus padres dejan la hostería “Vos” para adquirir la hostería “Mechelen”, situada en una zona privilegiada de Delft, en el norte del Marktvelde, siendo ahora su clientela la alta burguesía de la ciudad. Entre estos clientes se encuentran también un buen número de artistas como Baltasar van der Ast o Pieter Groenewengen, decisivos contactos para la formación de Vermeer. Confundido su nombre con los de otros, van der Meer o Vermeer y atribuidas sus obras por espíritu de lucro a De Hooch y a Rembrandt, nada se sabía de su vida hasta que en 1877, el crítico francés Enrique Havard registró sistemáticamente los archivos de Delft y otros de los Países Bajos. Pocos fueron los datos documentales descubiertos, pero suficientes para precisar las fechas de la corta existencia del admirable pintor y hasta cierto punto para poder apreciar la consideración de que gozó en vida.

  

 

 dama-escribiendo-carta-con-su-criadavermeer.jpg dianavermeer.jpg el-conciertovermeer.jpg

 

 

En 5 de abril de 1653 se casó con Catharina Bolnes en Schipluy, pequeño pueblo cercano a Delft. La madre de Catharina, Maria Thins,  disfrutaba de una buena posición económica, y en un primer momento se opuso al matrimonio, tanto por razones religiosas como financieras, ya que ella y su familia eran católicos mientras que los Vermeer eran calvinistas. Algunos expertos han apuntado a que Jan se convirtió al catolicismo para casarse con Catharina, dato que no está documentado. Se instalaron en un primer momento en la pensión “Mechelen” pero siete años después se trasladaban a la casa de Maria Thins, sita en el barrio católico, en Oude Langendijk. El pintor y su familia vivían en las habitaciones inferiores, habilitando las superiores como estudio, donde se ubicaba la maciza mesa de roble que aparece en muchas de sus telas.

Las situación económica de Vermeer era bastante buena ya que no presenta dificultades para alimentar a sus quince hijos, aunque cuatro de ellos fallecieron a edad temprana. Los especialistas consideran que Vermeer no sólo vivía de los ingresos de la pintura, ya que no ejecutaba más de dos obras al año. Se cree que sus rentas provenían de la regencia de la hostería como segunda actividad, e incluso al comercio de obras de arte, siguiendo el negocio de su padre. El 29 de diciembre de 1653 fue admitido como maestro pintor en la Guilda o gremio de pintores de su ciudad natal, figurando entre los seis consejeros o directores de la corporación  los años de 1662, 1663, 1670 y 1671.

Fue discípulo o cuando menos estudió y se asimiló el estilo y la técnica de Carlos Fabritius, que había sido discípulo y secuaz de Rembrandt, y Havard supone, con bastante fundamento que trabajó como ayudante o discípulo de Leonardo Bramer. Al morir en 13 de diciembre de 1675, tenía ocho hijos.  Arnaldo Bon, que elogió en malos versos la memoria de Fabritius, indicaba que el mejor sucesor de este artista, que calificaba de Fénix, podía ser van der Meer, y en la descripción de Delft publicada en 1667 por Dirk van Bleyswijck, figura el joven pintor entre los 30 mejores artistas de la ciudad. 

 

 

 

cristo-en-casa-marta-y-mariavermeer.jpg dama-con-su-sirvientavermeer.jpg joven-con-vaso-de-vinovermeerb.jpg

Ese mismo año de 1672 estalla la guerra entre Francia y las Provincias Unidas, al penetrar Luis XIV con un ejército de 100.000 hombres en los Países Bajos. La defensa holandesa pasaba por abrir sus diques de contención, lo que provocará la ruina de los propietarios de tierras y una crisis generalizada. Vermeer empieza a vender cada vez menos cuadros y el negocio de la hostería decae hasta el punto de tener que alquilarla por 180 florines anuales. En 1875 Vermeer hace un viaje a Amsterdam para solicitar un crédito de 100 florines.

 

 

A causa de la guerra contra Francia y de los grandes gastos ocasionados por los niños, que ya no podía afrontar, cayó en un estado de melancolía profunda y se abandonó al destino hasta tal punto, que en el plazo de día y medio cayó enfermo y murió. Se enterradó el 15 de diciembre de 1675 en el panteón familiar de la Oude Kerk de Delft, dejando once hijos menores de edad y a una viuda en una pésima situación financiera, por lo que Catharina Bolnes tuvo que solicitar ante el Tribunal Supremo de La Haya la renuncia de su herencia a favor de sus acreedores y la gestión de sus bienes. Fue nombrado administrador de los bienes Antoni van Leeuwenhoek. El 24 de febrero del año siguiente, Catharina vendíó uno de los dos cuadros que poseía de su esposo: el Arte de la pintura. En 1688 Catharina Bolnes fallecía sin poder ver la venta de la mayoría de los cuadros de su esposo, en una subasta en 1696, alcanzando precios muy elevados como los 200 florines por la La vista de Delft -1-  (y 9.900 al ser adquirida, en 1822, por el Estado Holandés) o La tasadora de perlas -2- los 150 florines de indicando que el artista gozaba de excelente reputación.

 

Para pintar La vista de Delft 1- Vermeer utilizó el telescopio que tenía en su casa apuntando a la ciudad y que proporcionaba al artista el aspecto trasladado al lienzo, que se admira actualmente por su concisión y especial estructura, era el telescopio invertido. Condensando la vista panorámica de un sector determinado, disminuyendo las figuras del primer plano a una dimensión inferior a la normal, enfatizando el primer plano tal como puede verse en el cuadro, y de la misma manera haciéndo que el resto de la composición retroceda en el espacio. La imagen así obtenida proporciona efectos ópticos que, sin ser únicos en la pintura holandesa del siglo XVII, como a menudo se ha dicho, transmite un paisaje urbano que está unido en la composición y está envuelto atmosféricamente en una luz brillante. Este cuadro es una representación idealizada de Delft, con sus características principales simplificadas y  encajadas en el marco de la bahía. Destacan las formaciones de nubes acercándose a la ciudad. Se representa una hilera de casas casi todas de ladrillo rojo en el puerto de Delft. Detrás de ella puede verse la ciudad, algunas torres y en el agua se reflejan los muros de la misma. Cronológicamente es la última pintura de Vermeer ejecutada en una pigmentación rica y plena, con acentos de color puestos con un pincel cargado. El artista representó en este cuadro a su ciudad con simplicidad grandeza. Se encuentra en el Mauritshui de La Haya.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La vista de Delft -1- -1-    

La tasadora de perlas (llamada también la mujer de la balanza) -2-

 

Sostenida entre los dedos delgados de una mujer, una balanza delicada, y vacía, forma el punto central de este lienzo. Detrás de la mujer cuelga un cuadro del Juicio Final. En esos tiempos, temas bíblicos e históricos como este eran considerados más dignos de atención que la representación de la vida cotidiana, tan querida por muchos artistas neerlandeses. Aquí Vermeer utiliza el simbolismo para narrar una historia moral a través de una escena en apariencia corriente. Como en muchas obras de Vermeer, esta pintura refleja una composición planeada con mucho cuidado para expresar una de sus mayores preocupaciones; encontrar el equilibrio subyacente de la vida. El punto de fuga central del cuadro se halla en las yemas de los dedos de la mujer. Sobre la mesa, ante ella, descansan tesoros terrenales; perlas y una cadena de oro. Detrás de ella, Cristo preside el Juicio Final. Hay un espejo en la pared, símbolo artístico habitual de vanidad y sofisticación, mientras una suave luz que cruza la escena añade una nota espiritual. La mujer serena, similara a una Madonna, se yergue en el centro, y sopesa con calma las preocupaciones del mundo transitorio en contraposición con las espirituales. La típica paleta de amarillos, azules y grises de Vermeer subraya el conjunto con armonía visual y equilibrio. Existe una gran sutilidad en los interiores maduros y reflexivos de Vermeer, así como una técnica del pincel magistral (desde los elegantes reflejos en los platillos hasta la textura más tosca del vestido de lana amarillo de la mujer), que convierte cada obra de Vermeer en una nueva y magistral lección de pintura. Este cuadro se encuentra en la National Gallery of Art de Washington.

 

 

 

La tasadora de perlas (también llamada la mujer de la balanza) -2- -2-

 

Al mismo tiempo se ponderaba el valor artístico de las obras de De Hooch, diciendo que rivalizaban con las del famoso van der Meer, pero siguió después un largo espacio de tiempo durante el cual desapareció por completo su nombre van der Meer o Vermeer. Uno de los primeros en comprender el valor real del pintor, fue el gran pintor inglés Reynold. Un crítico francés, Thoré (que firmaba con el seudónimo de W. Bürger), estudió sistemáticamente las obras que podían atribuirse a Jan van der Meer, publicando en la Gazette des Meaux Arts (1866) una lista de 73 obras, entre las cuales, descontando las atribuciones erróneas, figuraban las suficientes para colocar a Vermeer a la cabeza de los pintores menores de Holanda, alcanzando desde entonces las raras obras puestas en venta, precios elevados.

 joven-con-flautavermeer.jpg dama-con-clavicordiovermeerb.jpg joven-interrumpida-de-su-musicavermeer.jpg

 

 

 

Pintó vistas de ciudades, paisajes, y sobresalió en los estudios de interiores con figuras, iluminando las composiciones una luz suave y argentina que no impedía la fuerza de un colorido siempre justo, harmónico y del mejor y tranquilo efecto. A lo largo de su vida no pintó muchos cuadros, y pocos de ellos representan escenas importantes. La mayoría muestran figuras sencillas en la habitación de una casa típica holandesa. Hay que no presentan nada más que una figura sola dedicada a una tarea sencilla como La lechera -3-, cuadro que representa una mujer volcando leche en un recipiente al lado de una ventana. Es dificil comentar las razones que hacen de este cuadro sencillo y modesto una de las grandes obras maestras de todos los tiempos, pero pocos de los que hayan tenido la suerte de ver el original estaran en desacuerdo si digo que es como un milagro. Puede ser que una de las características milagrosas pueda ser descrita, para bien que no explicada: la manera en que Vermeer consigue una precisión completa y paciente en la representación de las texturas, colores y formas sin que el cuadro parezca nada elaborado ni duro. Como un fotógrafo que atenua deliberadamente los contrastes fuertes de la fotografía sin difuminar las formas, Vermeer atenuó los contornos i retuvo el efecto de la solidez y la firmeza. Es esta combinación única de suavidad y precisión el que hace inolvidables sus mejores obras. Nos hacen ver la belleza tranquila de una escena simple con nuevos ojos y nos dan una idea de lo que sentía el artista cuando veía entrar la luz por la ventana y realzaba el color de un trozo de tela. Se encuentra en el Rijksmuseum de Amsterdam.

La lechera -1- -3-

 

 

 

 

 

 

Vehículo perfecto para su talento es el cuadro titulado La joven con sombrero rojo -4-, cuadro de la década de 1660, cuando creó las serenas escenas de interiores que le han granjeado la fama. Su obra recogió la tradición de la escuela holandesa del siglo XVII sobre temas cotidianos y la elevó de categoría. Pese a ser un cuadro tan pequeño, posee un enorme impacto visual y atrevimiento. Al igual que en  La joven de la perla -5-, una chica vestida de manera exótica, con los sensuales labios entreabiertos, mira por encima del hombro al espectador, mientras reflejos atmosféricos lanzan destellos sobre su cara y pendientes. Aquí, no obstante, la figura es más grande, y mira al observador desde el primer plano. Su extravagante sombrero rojo y el chal azul son muy llamativos para tratarse de una obra de Vermeer. Al contrastar los colores  brillantes con un fondo más apagado, intensifica la teatralidad y potencia a la joven. Su repertorio incluía capas opacas, vidriados finos, la técnica del “mojado sobre mojado” y puntos de color. El sombrero se crea primero con un rojo anaranjado opaco, además de pinceladas de rojo y naranja semitransparentes, que se añaden encima para las plumas que captan la luz. Un pañuelo de un blanco intenso atrae la atención hacia el rostro dela chica, con algo de pintura blanca raspada para revelar la base más oscura que hay debajo. Puntos perlíferos resaltan los adornos de la piel y animan el rostro de la muchacha. Técnicas tan meticulosas ayudan a explicar por qué la producción de Vermeer fue escasa, y por qué ejerce semejante fascinación. Este cuadro se encuentra en la National Gallery of Art de Washington.

 

 

 

 

la-joven-con-sombrero-rojovermeer.jpg -4-  la-joven-con-sombrero-rojo-detalle2vermeer.jpg detalle 1

la-joven-con-sombrero-rojo-detallevermeer.jpg detalle 2 la-joven-con-sombrero-rojo-detalle3vermeer.jpg detalle 3 

la-joven-con-sombrero-rojo-detalle-2vermeer.jpg detalle 4 la-joven-con-sombrero-rojo-detalle-4vermeer.jpg detalle 5

Es fácil ver por qué la imagen irresistible de La joven de la perla -5- se ha convertido en la obra más querida de Jan Vermeer (1632-1675). Muestra una composición simple y equilibrada, un aire de misterio, su sempiterna paleta de azules y amarillos, y delicados efectos de luz perlíferos sin precedentes hasta entonces. Esta pintura demuestra que Vermeer era mucho más que un pintor de encantadoras escenas de género de la vida cotidiana a pequeña escala. El pintor atrae al espectador hacia el lienzo debido a que la modelo le mira por encima del hombro. Los labios entreabiertos añaden sensualidad al misterio; ¿quién es ella? Su turbante representa exotismo a esta mezcla tentadora, pero la explicación es fácil. El cuadro no es un retrato, sino uno de los estudios de la cabeza de una mujer conocidos en tiempos de Vermeer como “tronies”. Estos representaban ciertas emociones o tipos, y aquí muestra un tipo exótico. Los colores de la pintura son frescos y la técnica del pincel suave, pero lo bastante enérgica para capturar todos los matices de la luz; además, la composición, poco corriente, es poderosa pero armónica, y el conjunto está unificado por límpidos efectos de luz. La perla, plasmada con dos pinceladas, refleja con claridad el cuello blanco de la modelo, sus ojos centellean, y diminutos reflejos salpican el turbante. Este cuadro se encuentra en el Mauritshuis de La Haya.

 

 

La joven de la perla -5- -5-   la-joven-de-la-perla-detalle1vermeer.jpg detalle 1 

la-joven-de-la-perla-detalle2vermeer.jpg detalle 2 la-joven-de-la-perla-detalle3vermeer.jpg detalle 3

En su obra Alegoria de la pintura el pintor y su estudio -6- también llamado El taller, crea una alegoría a gran escala, un comentario sobre el arte y el papel del pintor en la sociedad. Este enfoque y el hecho de que sea uno de sus mayores cuadros, lo convierte en una pieza poco habitual de Vermeer. Lo que sí es habitual son los efectos de luz y la detallada planificación de la composición. Su pasión por los efectos ópticos y otros recursos tal vez le han conducido a utilizar una cámara oscura para urdir las principales líneas del cuadro. Los espectadores miran a través de una cortina descorrida y ven una luz brillante enel estudio que hay al otro lado. Un artista está sentado ante su caballete, dándonos la espalda. ¿Podría ser el propio Vermeer? Sus contemporáneos habrían reconocido en la modelo a Clío, la musa de la Historia, con sus atributos. Sobre la mesa descansa un cuaderno de dibujos, tratados sobre pinturay una máscara (símbolo de la imitación). Un mapa colgado en la pared muestra las privincias de los Países Bajos antes de 1581. Este cuadro parece indicar que la historia inspira al artista, aporta el tema más valioso del arte a los pintores y los eleva de categoría. Sin embargo, como parece que la obra de Vermeer va en contra de esa tendencia, otros sufieren que el cuadro se refiere a las formas en que los artistas utilizan trucos habilidosos para convertir efectos fugaces en algo eterno. Suele decirse que es el mejor cuadro de Vermeer, y la familia lo conservó, pese a la miseria en que quedaron a su muerte. Se encuentra en el Kunsthistorisches Museum de Viena.

 

 

El taller -6-   alegoria-de-la-pintura-el-pintor-y-su-estudio-detalle1vermeer.jpg detalle 1

alegoria-de-la-pintura-el-pintor-y-su-estudio-detalle2vermeer.jpg detalle 2 alegoria-de-la-pintura-el-pintor-y-su-estudio-detalle3vermeer.jpg detalle 3

alegoria-de-la-pintura-el-pintor-y-su-estudio-detalle4vermeer.jpg detalle 4 

Era un trabajador lento y meticuloso. Se encuentra entre los pintores coloristas de la escuela de Rembrandt, pero es un antagonista de aquél; no solo porque se limita a pintar interiores sin salida o comunicación con otras piezas de la casa, sino porque concibe de modo diferente el valor del color y de la luz. Pintaba la fresca claridad argentina, la primavera con su juvenil sonrisa, la luz y el color de sus pinturas se funden en un acorde delicioso. En algunos cuadros el tono es muy vigoroso, pero la mayoría de las veces presenta un dulzor inefable y los colores rivalizan en tintas raras y sutiles. Tiene predilección por cierto amarillo de limón, en el que se discierne como el reflejo verde del fruto no madurado todavía. Del mismo modo su azul no tiene equivalente en ninguna otra paleta; es un azul rejuvenecido, casi virgen, atenuado por el aire vaporoso y que a veces semeja a la transparencia verdosa del mar. Sus técnicas, en particular la maestría de la luz, han isnpirado a artistas modernos de variadas tendencias, incluido Salvador Dalí.

alegoria-a-la-fevermeer.jpg carta-de-amorvermeerb.jpg joven-con-jarra-de-aguavermeerb.jpg

joven-leyendo-cartavermeer.jpg la-alcahuetavermeer.jpg la-encajeravermeer.jpg

la-guitarristavermeer.jpg la-muchacha-del-collar-de-perlasvermeer.jpg la-tanedora-de-laudvermeer.jpg

lecciones-de-musicavermeer.jpg muchacha-de-azul-leyendo-una-cartavermeen.jpg joven-con-velo-marronvermeer.jpg

mujer-durmiendo-en-la-mesavermeer.jpg chica-escribiendovermeer.jpg soldado-muchacha-risuenavermeer.jpg

 el-astronomovermeer.jpg el-astronomo-detallevermeer.jpg

 el-geografovermeerb.jpg el-geografo-detallevermeer.jpg

  sta-paraxidisvermeer.jpg una-noche-en-la-cocinavermeer.jpg La callejuela -7-

vermeer.gif