Joan Abelló i Prat (España, 1922-2008)

  

 

  

Joan Abelló i Prat nace en Mollet del Vallès (Barcelona) en el año 1922. Hombre discreto y generoso, continúa hoy en día pintando y queriéndonos ofrecer, tela tras tela, un estilo majestuoso que él mismo ha bautizado como «explosivismo», que es su filosofía de vida y de obra.

  

   

  

  

  

  

  

  

  

De muy pequeño ya dibujaba haciendo monigotes en los mármoles de las mesas en los lugares que le era permitido. Se inicia desde muy joven en el mundo de la pintura como autodidacta influenciado por Mir, aunque siempre ha querido aprender de todos los estilos y de todos los autores.

  

 El artista frente a su caballete

  

En 1940 hace su primera exposición en Mollet del Vallès. En 1941 estudia en la Academia Baixas y en el Real Círculo Artístico de Barcelona. En 1944 fue discípulo de Pere Pruna, trabajando con él durante dos años en su estudio. Pruna le enseñó la técnica del mural y del grabado. En 1945 expone su obra en Barcelona y aprende restauración en el taller de Miracle. En 1946 empezó a trabajar en el estudio de Carlos Pellicer y estuvo con él durante catorce años.

  

 El artista ante su obra

  

 Artista cenital

  

A mediados de los años cuarenta, Abelló desarrolló una cierta tendencia impresionista, y finales de esa década se inicia en el  postimpresionismo sin perder vínculos con el impresionismo, siempre con una explosión de colores aplicada con pinceladas violentas. Años después ha ido cambiando su estilo y practicando una pintura más matérica (tendencia del informalismo) y expresionista sin dejar nunca la figuración. Destaca como paisajista. Ha trabajado todas las técnicas: óleos, acuarelas, pastel, dibujo…

  

   

  

  

  

   

  

  

  

Abelló ha viajado por todo el mundo y ha trabajado en paises como Holanda, Suiza, Inglaterra, Bélgica, Italia, Francia, Isla de Man, París… En los años sesenta regresa a Mollet, donde se interesa de nuevo por los paisajes del Vallès y del Mediterráneo, pero no abandona los grandes viajes, y a los 70 años empieza una vuelta al mundo que lo conducirá a Marruecos, Egipto, Costa de Marfil, India, Tailandia, Brasil, la Isla de Pascua, como si sus raíces lo empujaran a extender sus ramas hacia todo el universo. En estos viajes se inspira para nuevas creaciones. Dos de sus obras más conocidas son

El cuc -1-  y  La mosca -2-

  

 -1-

  

 -2-

   

Expone en Londres (1969), en París (1979), en Nueva York (1982), en Moscú (2000), etc… En el 2002, recibe el diploma e insignia como académico de la Real  Academia de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona). Sus obras están expuestas en numerosos museos alrededor del mundo.

  

   

  

  

  

  

  

  

  

  

  

   

  

   

  

  

  

  

  

  

  

  

  

   

  

  

  

  

   

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

    

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

    

  

   

 

Cuando hice este post dedicado a Joan Abelló en enero del 2008, no me imaginaba que iba a fallecer el 25 de diciembre del mismo año, a un día de su ochenta y seis cumpleaños. Catalunya y el mundo entero perdió a un gran pintor, coleccionista y lo más importante, a un gran hombre.

 

  El museo Abelló en Mollet del Vallés.

 

 La casa-museo de Abelló, en Mollet del Vallés.

 

 

  

  

  

Ramon Casas i Carbó (España, 1866-1932)

  

  

Pintor catalán contemporáneo, nacido en Barcelona el 5 de enero de 1866, hijo de Ramon Casas i Gatell, un indiano natural de Torredembarra, que había hecho fortuna en Matanzas (Cuba) y de Elisa Carbó i Ferrer, hija de una adinerada familia burguesa.

     

 Casas de niño.

  

De muy niño se distinguió en las clases de dibujo en el colegio de Carreras (Barcelona), lo que hizo que en 1877 abandonara la escuela para estudiar arte en el estudio de Joan Vicens.

  

 Un joven Casas.

    

En 1881, siendo adolescente, fue cofundador de la revista L’Avenç, y en octubre de ese año, acompañado de su primo Miquel Carbó i Carbó, estudiante de medicina, realizó su primer viaje a París. Ese invierno, motivado por lo descubierto en la capital francesa, estudió en la academia particular de Carolus Durán y más tarde en la Academia Gervex. Al año siguiente expuso algunas de sus obras en la Sala Parés de Barcelona, y en 1883 expuso un autorretrato en una sala de los Champs Elysées de París; el cuadro le valió una invitación como miembro del salón de la Societé d’Artistes Françaises.

  

 En su estudio con una modelo.

  

Su nueva vida de artista lo arrastró por diversos lugares, estableciéndose en las estaciones frías en París (era corresponsal de la revista L’Avenç) y el resto del año en España, sobre todo en Barcelona, pero también en Madrid y Granada, demostrando un temperamento abierto que le acompañó siempre.

  

 En su estudio.

  

De sus experiencias en ese tiempo surge una forma nueva de ver su arte y la iniciativa de pintar cuadros de multidudes: su cuadro de 1884 Plaza de toros -1- da prioridad al público en la plaza sobre la acción taurina, y representa el inicio de esa tendencia y la mejor prueba de su variedad temática. Presenta un encuadre fragmentario, diverso, un punto de vista elevado y una construcción del espacio por medio de zonas de color contrastado que se repetirá en otras obras. En aquel momento, algunos críticos que después lo defenderían como Eduald Canibell dijeron que el cuadro podía tener interés como esbozo, pero no como obra acabada. Durante el año 1886 Casas sobrevive a una peligrosa tuberculosis. Fue en ese tiempo cuando toma contacto con artistas de la altura de Santiago Rusiñol o Ignacio Zuloaga.

  

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Rusiñol se hace acompañar de Casas para la realización de un proyecto que en 1889 cristalizaría en el libro «Por Cataluña (desde mi carro)», con textos de Rusiñol e ilustraciones de Casas. Se pintó a sí mismo en un curioso cuadro titulado  Retratándose -2-,  en el que podemos ver a Casas en un exterior, con capa y sombrero negro, y frente a él a Santiago Rusiñol con bombín y traje marrón. Se trata de un divertimento, de una especie de broma cómplice, que define perfectamente la amistad entre ambos pintores catalanes.

  

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Regresaron juntos a París donde se alojaron en el Moulin de la Galette, en Montmartre, junto con el crítico de arte y pintor Miguel Utrillo y el dibujante Ramon Canudas. Rusiñol realizaría por aquel entonces una serie de crónicas para el periódico La Vanguardia con el título»Desde el Molino», que contaron también con las ilustraciones del mismo Ramon Casas. La Societé d’Artistes Françaises volvió a interesarse por él, convirtiéndolo en miembro, lo que le permitiría exponer dos veces al año sin pasar previamente por ningún jurado. 

  

    

  

   

  

   

  

  

  

Volvió a exponer en 1890 en la Sala Parés de Barcelona junto con Santiago Rusiñol y el escultor Enric Clarasó, demostrando que en esa época seguía los postulados del academicismo pero que no había dejado pasar el impresionismo que había asumido en sus estadíos parisinos. De ese modo inauguró lo que se dio en llamar modernismo, movimiento cultural encabezado por intelectuales individualistas y antitradicionalistas que luchaban por equiparar el arte catalán con el resto de Europa.

  

   

  

  

  

    

   

   

  

El modernismo tuvo su centro en Els 4 Gats, un café que se inauguró en la barcelonesa casa Marti en el barrio gótico, y que fue regentado por Pere Romeu y financiado por Ramon Casas, inspirado como el propio estilo artístico en su referente parisino Le Chat Noir. El local todavía puede visitarse en una reconstrucción fiel que respeta el lugar y la decoración que tenía en los tiempos de Casas, como demuestra la conservación de una copia del  cuadro Ramon Casas y Pere Romeu en tandem -3-  presidiendo una de las paredes principales. Casas utiliza en esta pintura una técnica más propia del cartel comercial que de la pintura al óleo. Sintetiza su estilo al máximo. Así, el fondo queda reducido a una simple línea que evoca una silueta urbana, mientras que las figuras se tratan con colores planos y vivos confinados por los gruesos trazos negros que las delimitan. En la parte superior de la derecha, el artista había escrito «Per anar amb bicicleta no’s pot dur l’esquena dreta» en catalán original («Para ir en bicicleta no se puede ir con la espalda recta»), haciendo mención a la postura que adopta en el mismo Pere Romeu y que implica que la mayor parte del esfuerzo de pedalear lo está haciendo su compañero Ramon Casas. Cuando el local se cerró, la pintura se vendió y su comprador la hizo recortar prescindiento de nueve centímetros de tela en la parte inferior y de un metro de ancho. De esta forma, la rueda derecha quedó cortada, así como la frase anterior. Al quedar ésta incompleta, nuevo el propietario hizo tapar las palabras que habían quedado intactas. 

  

   -3-

  

En esa época pintó un gran número de estudios y retratos, de los que son excelente muestra el lienzo Al aire libre -4- y el retrato del compositor Erik Satie, titulado Un bohemio -5-. Pero una de sus obras más importantes de ese tiempo fue  Chica en un bar -6-, también llamada Madeleine, donde se recoge de forma relajada el ambiente bohemio de finales del XIX. El cuadro parece ubicarse a medio camino entre el impresionismo francés y el estilo académico. El tono rojizo del pelo de la chica armoniza con el encendido color de la blusa y la bebida. Ello se compensa mediante los tonos blancos de la falda y la pared. La expresión de la muchacha aporta poca información: puede que sea tímida, quizá esté muy triste o simplemente aburrida, aunque parece demasiado ensimismada en su entorno para mostrar cualquier sentimiento. Sea como fuere, se trata de un excelente ejemplo del don de Casas para el retrato.

  

 -Els 4 Gats.

  

 -4-

  

 -5-   -Detalle. 

   

 -Esbozo.

  

 -6-      -Detalle.

  

Como artista modernista empezó a ser conocido nacional e internacionalmente (Madrid, Berlín, Chicago recibieron exposiciones suyas), y a la altura de esa época organizó con Rusiñol constantes exposiciones en Barcelona y Sitges, pequeño pueblo costero catalán que se convitió gracias a Rusiñol en un centro cultural fundamental entre los artistas del momento.

    

  

  

  

  

  

  

  

  

Fue escogido en 1900 para representar a España en la Exposición Universal de París, llevando para ello un retrato de su hermana Elisa Casas -7- con un precioso traje blanco adornado con claveles, guantes de ante y abanico, y el ya famoso de Erik Satie. Siguiendo su carrera internacional, la impactante pintura sobre la pena de muerte titulada El garrote vil -8-inaugura su serie de cuadros de crónica social. El pintor reflejó en esta obra la ejecución de Aniceto Peinador, un joven de diecinueve años ajusticiado en 1893, en la cárcel de la calle Amalia de Barcelona. De nuevo, el punto de vista elevado es el de un testigo, sin eliminar detalles como el árbol en primer término que impide la visión de la escena, estorbando incluso la del patíbulo y actuando como referente espacial. Con objetividad, el pintor describe el carácter del acontecimiento público de la ejecución, sin centrarse en ningún protagonista concreto, ni siquiera el reo, que apenas se entrevé entre el verdugo y los confesores, y dejando que el espectador pasee su vista como podría hacerlo un testigo presencial. Esta obra ganó uno de los premios en Munich en 1901. Otro momento crucial fue cuando el Gran Teatre del Liceo, emporio de la burguesía catalana, abrió su exclusivo Círculo para exponer permanentemente doce obras suyas.

  

 -7-  

  

 -8-

  

En 1896 una bomba anarquista estalló en mitad de la procesión del Corpus Christi que salía de la barcelonesa iglesia de Santa María del Mar, matando a doce personas y sembrando el terror en la ciudad. Casas elige en su obra El Corpus Christi -9-  el momento de la salida de la procesión antes de su paso por la calle de Canvis Nous, donde se produjo el atentado. La escena está encuadrada desde arriba y el pintor se recrea en el juego cromático y festivo de los estandartes, las colgaduras de los balcones y los velos blancos de las niñas vestidas de Primera Comunión que acompañan la procesión, aludiendo así al caos y la desesperación que se producirá poco después y del que sus víctimas son ignorantes. La técnica, de pinceladas rápidas y poco cargadas de materia, es propia de cuadros de pequeño formato, pero resulta muy difícil de aplicar en una tela de estas dimensiones. Casas aplica, una vez más con gran audacia, los recursos de la pintura moderna a un género que parecía vedado para ella.

  

 -9-

  

En 1903 es elegido miembro del Salon du Champ de Mars de París, lo que le proporciona el privilegio de exponer allí anualmente. En su presentación ofreció su célebre La carga -10-,  otra obra de multitudes que tomaba partido nuevamente en los conflictos sociales de principios de siglo. La obra hace alusión a una huelga en Barcelona en 1902, aunque se sabe que Casas lo pintó en 1899 y que, al ser rechazada en la Exposición Universal de París de 1900, la presentó en la Exposición General de Madrid de 1904, donde obtendría  el primer premio. De nuevo Casas insiste en dar una alternativa moderna a los cuadros de historia, recurriendo a un formato de grandes dimensiones. A diferencia de El garrote vil, el pintor opta aquí por centrar dramáticamente el conflicto en el guardia civil a caballo que arrolla a un manifestante; ambos sin embargo, no ocupan el centro de la composición, sino que, desde el extremo derecho, son el punto de partida de un espacio panorámico que se despliega en abanico hacia la izquierda, traduciendo expresivamente el movimiento de la multitud despavorida que huye de los sables policiales. En el centro, un gran espacio vacío completa el drama y remata una composición insólita para un cuadro de este tipo. Una vez más, Casas adapta con asombrosa facilidad su técnica suelta, de manchas contrastadas y luz difuminada, a un formato inusual. En 1910, realizó una nueva versión reducida, con el guardia civil a pie, que se conserva en una colección americana.

  

 -10-

    

Fue en su estancia en Madrid durante la Exposición cuando dibujó una serie de caricaturas de personajes de la sociedad madrileña, incluidos pintores como Sorolla. Le fue encargado un Retrato ecuestre del rey Alfonso XIII -11-,  recientemente coronado como rey de España. 

  

 -11-

   

A su vuelta a Barcelona conoce a Júlia Peraire, bella vendedora callejera de lotería de la que se encaprichó febrilmente. La convirtió en su amante y su modelo, y aunque les diferenciaban 22 años de edad, siguieron juntos toda la vida. La sargentain -12- es uno de los primeros retratos que Casas le dedicara, demostrando una fascinación renovada por la belleza del retrato y exhibiendo un erotismo sereno que impregnó esa parte de la obra y de la vida del artista. La  entrada en sociedad de la joven vendedora repercutió en la temática de sus retratos: imágenes de burguesa altiva, con ropajes dignos de la irrupción en su nueva clase, confirmando su derecho a pasearse por los salones que hasta enconces le estaban vedados. Se casó con ella en 1922, cuando logró vencer la oposición familiar.

   

 -12- 

  

Casas se convirtió con los años en el pintor más cotizado de la burguesía catalana, cultivando en la última etapa de su producción artística algo tan finamente burgués como el retrato. En 1908, junto a Charles Deering, Casas realiza un viaje por Cataluña, en el que el millonario americano compra el antiguo hospital de Sitges, restaurándolo y reformándolo para residir temporalmente en él, renombrándolo Maricel. En noviembre viaja a los Estados Unidos y Cuba, invitado por Mr. Deering, y realiza una docena de retratos al óleo y una treintena al carbón de personas conocidas por Mr. Deering. En el mismo año pinta el Retrato de la Sra. Baladia -13- , en el que Casas adopta un esquema de la figura femenina que tuvo mucho éxito entre la alta sociedad. Éste era el segundo retrato que Casas hacía a tal modelo, y en él como en el anterior el artista plasma perfectamente la belleza de una serena dama burguesa. La figura aparece sentada con las piernas superpuestas, en una actitud relajada y con una mirada de cierta complicidad con el artista, amigo de la retratada. Destaca la cualidad en el tratamiento de los pliegues del vestido blanco, el sombrero situado a su derecha, la flor sostenida y que es ofrecida al espectador, así como la expresión de la Sra. Baladia a base de un detallado dibujo que destaca las cualidades de su delicada piel. Como la obra le gustó mucho a su autor, solicitó poder exponerla en la Esposición Universal de Bruselas de 1910.

  

 -13-

  

En 1909, vuelve a Barcelona y continúa con sus exposiciones. En 1910 y 1911 viaja por Europa central y por Holanda.

En 1912 hereda el Monasterio benedictino de Sant Benet de Bages, situado en el término municipal de Sant Frutós del Bages, comarca catalana del Bages.

  

 –Sant Benet de Bages.

  

En 1913 viaja con Mr. Deering a Galicia, y a su regreso se traslada a vivir a Sant Gervasi, a una torre en la calle Descartes de Barcelona. En 1916, viaja a Tamarit con Charles Deering, quien compra todo el pueblo; Casas se encargará de hacerlo restaurar. También adquiere la casa Xicarrons de Sitges, contigua al Cau Ferrat. 

  

  

   

  

  

  

  

  

En 1918 Casas visita el frente en el transcurso de la Primera Guerra Mundial, quedando profundamente afectado. En 1921 se reemprenden las exposiciones de Rusiñol, Casas y Clarasó en la Sala Parés. Continuó exponiendo junto a Santiago Rusiñol, cultivando con maestría el arte del retrato y del paisaje, hasta la muerte de éste en 1931. Sólo un año después fallecería también Ramon Casas.

  

   

  

   

  

  

  

  

  

   

  

   

  

   

  

   

  

   

  

   

   

  

  

  

  

   

  

   

  

  

  

   

  

   

  

   

  

   

  

   

  

    

   

  

   

   

     

  

    

  

  

  

   

  

  

  

  

   

   

  

  

  

   

  

John Singer Sargent (Estados Unidos, 1856-1925)

  

  

Fue el pintor de retratos más célebre en esta especialidad en su tiempo. Nació en Florencia el 12 de enero de 1856. Era hijo del doctor Sargent, de Boston, que descendía de un emigrado inglés, mientras que su madre pertenecía a una antigua familia de Filadelfia.

  

 Un joven Sargent

  

Hizo los primeros estudios en la Academia de Florencia y después se trasladó a París, donde frecuentó el taller de Carolus Duran, que nunca tuvo en mucha estima el arte de su discípulo, ni siquiera cuando ya era célebre. Sin embargo, Sargent tuvo más de un rasgo común con Duran, salvando la diferencia de temperamento y de raza. 

  

 

 

 

 

En un viaje que hizo a España, en 1879 estudió profundamente las obras de Velázquez, que ya su maestro le había enseñado a admirar, como, en general, toda la pintura española; pero a decir verdad, la influencia que el autor de Las Meninas ejerció en Sargent no pasó de ser superficial, lo mismo que en Duran; mas de esto a aceptar el juicio que a Begas le mereció el arte de Sargent, haya mucha distancia. Para Begas, el pintor americano era como una modista que vestía a sus clientes lo mejor posible. En realidad, como ha dicho un crítico francés, el arte de Sargent era una transición entre el de Carolus Duran y el de Manet, existiendo entre los tres el rasgo común del estudio y la admiración por Velázquez. Segun el citado crítico, K.E. Schmidt, Duran acomodó Velázquez al gusto de lpúblico rico, mientras que Manet, indiferente del aspecto financiero, buscaba únicamente en el maestro español la solución del problema de la forma, de la luz y del movimiento. Sargent aprovechó no sólo las enseñanzas de Velázquez, sino también el ejemplo de Duran y de Manet, y si en arte no es tan honrado y libre como el de éste, tampoco es un arte de Salón.

  

 

  

Se le ha reprochado de halagar a sus modelos, pero sus adulaciones son tan ingeniosas, tan distinguidas y tan artísticas, que se le perdonan de buena gana y aún admitiendo en él cierta superficialidad, no se puede negar que ningún retratista de su época ha sabido apoderarse y realizar el aspecto saliente de la fisonomía humana. Especialmente sus retratos masculinos son obras maestras de caracterización.

  

  

  

Fruto de su viaje a España fue Carmencita, en el que nos muestra una bella mujer española posando altiva con un espectacular vestido de seda amarilla con bordados plateados,  expuesto en París y adquirido más tarde por el Museo de Luxemburgo. En este cuadro ya apuntaba Sargent sus cualidades y defectos y su autor consiguió rápida celebridad.

  

 Carmencita

  

Sin embargo, la fortuna que le había acompañado en sus primeros pasos, se trocó en adversidad ya que su retrato de Mme. Gautreau (Virginie Avegno) con el que Sargent confiaba en labrarse una reputación, y de hecho lo logró, aunque no de la manera que hubiera deseado, provocó un escándalo y tuvo que abandonar Francia a toda prisa. Sargent hubiera pedido a Virginie Gautreau, famosa belleza de la alta sociedad, que posase para un retrato. Virginie era una compatriota estadounidense que estaba casada con un adinerado banqueror francés. Enseguida accedió a posar, pero el cuadro avanzaba muy despacio. Virginie era una modelo impaciente y Sargent encontró que su belleza resultaba «impintable». Alteró la composición en diversas ocasiones antes de decidirse por una postura que acentuase el característico perfil de la modelo. Finalmente el cuadro se expuso en el Salon de París de 1884. No se especificó formalmente la identidad de la modelo, pero Virginie era tan famosa que la reconocieron numerosas personas. El público quedó escandalizado por el vestido escotado, desconcertado por el fúnebre maquillaje blanco, incómodo por la extraña posición del brazo derecho y, sobre todo, indignado por el hecho de uqe uno de los tirantes del vestido colgase del hombre: un claro signo de falta de decoro sexual. La familia de Gautreau quedó horrorizada y rogó al artista que retirase la pintura. Sargent intentó pintar de nuevo el tirante, pero no se le permitió hacerlo hasta terminada la exposición. A raíz del escándalo, Sargent abandonó París, aunque siempre sostuvo que este retrato era su mejor trabajo.

  

  

Mme. Gautreau (Virginie Avegno)

  

 Años más tarde, 1916, cuando vendió la pintura al Museo de Arte Metropolitano de Nueva York le cambió el  nombre por el de: “Madame X”   repintando el tirante sobre su hombro derecho para tratar de poner fin al escándalo.

  

 Madame X 

  

  

Traslada su residencia a Londres, pero en la capital inglesa, también tuvo que luchar con grandes dificultades, tanto que según cuentan sus íntimos, estaba decidido a dejar la pintura para dedicarse a la música, arte que había estudiado a fondo y para el cual poseía nada vulgares aptitudes. En 1886, presentó el retrato de Miss Wicken, que no se le hubiera admitido a no ser por la influencia del pintor Herkomer, uno de los pocos que entonces admiraban al joven artista. Entre los demás artistas, y más aún entre el público, chocaba su pintura atrevida y repleta de influencias extrañas, aunque ya con la tendencia mundana que siempre había de caracterizarle. Sólo un año más necesitó Sargent para imponerse y convertirse en el pintor de moda.

  

  

  

En 1887, su cuadro Carnation, Lily, Lily Rose, representando dos niñas en un jardín encendiendo farolillos chinos, fue objeto de las críticas más encomiásticas y adquirido por el Estado para la Galería Tate.

   

   

Carnation, Lily, Lily Rose

  

 Estudio

  

A partir de entonces su popularidad fue en aumento. Reactivo su carrera, y le llegaron encargos de retratos de compañeros estadounidenses, el más importante de ellos, el de Isabella Stewart Gardner, fundadora del museo bostoniano que aún conserva su nombre. Gardner conoció la obra de Sargent en 1882 cuando su primo compró El jaleo, un cuadro sobre bailaores flamencos, y de ahí que le encargara su retrato.

  

 

El jaleo

  

 Comparado con Madame X, el retrato de Isabella es un modelo de recato. La postura de la modelo es frontal y simétrica, extraña combinación para Sargent, aunque lo que más destaca es el extraordinario fondo. Está basado en un brocado de terciopelo del siglo XV que todavía hoy día es propiedad del Gardener Museum. Sargent agrandó considerablemente el estampado para crear el efecto de halo alrededor de la cabeza de Isabella. Por consiguiente, el cuadro recuerda a los iconos religiosos. La primera vez que lo vió, Henry James lo calificó de «Madonna bizantina»». Gardner y Sargent continuaron siendo amigos durante el resto de sus vidas. Ella compró veintidós de sus cuadros y le presentó a clientes influyentes. Sargent le devolvió el favor pintándole un tierno retrato tras el colapso que sufrió en 1920, como tributo a su duradera amistad. 

  

  

Isabella Stewart Gardner 

  

Desde 1894 pertenecía a la Academia Nacional y en 1899 hizo un viaje a América, organizando en Boston una Esposición en la que figuraban 120 cuadros, de ellos 50 retratos. De aquella época data también la serie de pinturas decorativas que hizo para el hall de la Biblioteca Pública de Boston, que representan escenas religiosas.   

  

 Bibliotéca Pública de Boston

  

En el Museo de dicha ciudad, para el que terminó unas pinturas murales en 1925, se encuentra también el grupo de Las cuatro hijas de Eduardo Darly, una de sus obras más curiosas y que difiere bastante de las demás, a causa de la sobriedad en los accesorios empleada por el autor.

  

 

The Daughters of Edward Darley Boit

  

  

 Además, durante su permanencia en América pintó los retrtos de numerosos personajes como Roosevelt  y Rockfeller

  

 Roosevelt

  

 Rockfeller

  

Este viaje contrastó con el que hiciera veinicinco años antes, cuando era casi un desconocido. Si en América tuvo los clientes más ricos y distinguidos, en Inglaterra se consideraba un gran honor ser retratado por Sargent. Políticos, literatos, aristócratas y grandes damas constituían el público habitual entre Sargent, que cuenta entre sus mejores obras los retratos de Elena Terry en el papel de Lady Macbeth, Lord Ribblesdale, Mrs. George Swinton, The Wyndham Sisters, Mrs. Fiske Warren and Her Daughter Rachel, Miss Helen Duinham  y el Autorretrato del autor  de un vigor y de un parecido extraordinarios.

  

 Elena Terry (Lady Macbeth)

  

 Lord Ribblesdale

  

 Mrs. George Swinton

  

 The Wyndham Sisters

 

 Detalle 01

  

 Detalle 02

  

 Mrs. Fiske Warren

  

 Miss Helen Duinham

  

 Autorretrato

  

Una de las especialidades de Sargent que mayores triunfos le proporcionaron, fueron los grupos de diversas personas. A partir de 1910, el artista que era ya muy rico y no tenía familia, aceptaba dificilmente encargos, prefiriendo dedicarse al arte por el arte. En los últimos años de su vida solía pasar largas temporadas en Venecia, donde pintó, a modo de bocetos, paisajes arquitectónicos. Aun cuando este aspecto de su labor sea el menos conocido, no por eso resulta menos ineresante.

   

 

  

En plena posesión de todos sus medios de expresión y libre de preocupaciones económicas y mundadas, Sargent pinta por el placer de pintar, y de esta época datan algunas acuarelas que pueden figurar entre lo mejor del género. Ejecutó también muy bellas litografías.  

  

  

  

Durante la guerra de 1914-1918 pintó también algunos cuadros de asunto militar de una realidad trágica. Uno de ellos, expuesto en la Real Academia en 1920, fue adquirido para el Museo de la Guerra y es una de sus últimas obras.

  

  

Después de su muerte fueron vendidos algunos de sus cuadros a muy buenos precios. Sargent era benévolo para sus colegas y con frecuencia adquiría obras de otros artistas, sobre todo de los jévenes, a los que gustaba de proteger.

América e Inglaterra, se disputan hoy la gloria de contar entre sus hijos al ilustre pintor, cuyos cuadros constituyen un documento vivo para el estudio de la sociedad de su tiempo.

  

 

  

  

 

  

Berthe Marie Pauline Morisot (Francia, 1841-1895)

     

La supuesta sobrina nieta del pintor rococó Jean-Honoré Fragonard, nació en Bourges en el seno de una familia acomodada, en la que era tradicional la afición a las artes, aunque no por ello dejó de sorprender a su familia cuando eligió convertirse en una pintora profesional. Su abuelo paterno fue un arquitecto de renombre, y su padre, Tiburcio Morisot, había sido discípulo de la Escuela de Bellas Artes, visitando Italia y Grecia. Más tarde cambió de rumbo sus aficiones ingresando en la administración pública, llegando a ser gobernador de varios departamentos importantes.

 La artista con su pincel

Durante su residencia en Bourges, capital del departamento del Cher, nació Berthe Marie Pauline, la última de sus tres hijas. Ascendiendo en su carrera fue nombrado consejero del Tribunal de Cuentas, trasladándose por esta razón a París, en donde pudo desarrollarse el talento que desde muy niña había demostrado Berta para la pintura.

     La artista en sesión fotográfica

El primer maestro de Berthe fue Guichard, pintor de pocas dotes, pero excelente profesor para principiantes, y estudió tres años en la Escuela de Bellas Artes de París. Ya en posesión de la técnica de la pintura, Berthe y su hermana Edma (que también cultivó por algún tiempo la pintura) sintieron gran admiración por la obra del admirable paisajista de la Escuela de Barbizon Corot. En 1860, Jean-Baptiste Camille Corot tomó a Berthe como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos. Fue el pintor que más influyó en ella hasta que conociera a Édouard Manet en 1868.

   Berthe con camafeo y detalle

    

La artista en su estudio

El primer envio al Salón de París, momento decisivo para los artistas franceses de la época, data de 1864 en la que mandó dos paisajes. Las obras de Berthe y de su hermana Edma, figuran en los catálogos de 1864, 1865, 1866, 1867 y 1868. Desde esta última época, solo Berthe continuó cultivando la pintura y exhibió continuamente en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista, en la que expuso La cuna, en el que muestra a una madre agotada que mece la cuna de su bebé.

 

La cuna

Durante su aprendizaje, las hermanas Morisot habían trabajado en el Louvre, al lado de Édouard Manet, que era entonces un joven pintor desconocido y uno de los copistas de obras maestras antiguas, trabajo que a la sazón estaba muy en boga. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo de pintores que serían posteriormente los impresionistas. Manet, sin embargo, nunca se consideró impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo.

 

Berthe Morisot pintada por Monet

Desde el triunfo del maestro en el Salón de los rehusados (1863), las relaciones entre las señoras Morisot (madre e hijas) y la esposa y madre política de Manet, fueron cordiales, estableciéndose gran amistad entre las dos familias. Más tarde, en 1874, Berthe se casó con Eugène Manet, hermano menor del gran pintor y continuó firmando sus obras como antes de cambiar de estado contra la costumbre francesa, según la cual, al casarse, la esposa emplea únicamente el apellido del marido.  

 Una anciana Berthe

La excelente posición social de que gozaban ambos cónyugues les permitió cultivar afectuosas relaciones de amistad con un corto múmero de amigos elegidos entre los mejores artistas de la época. Edgar Degas, Renoir, Pissarro, Claudio Monet y Édouard Manet frecuentaban la casa construida por Eugéne Manet, tanto para reunir en ella obras escogidas de los pintores amigos, como para facilitar el trabajo de la dueña de la casa.

También frecuentaba el cenáculo el poeta Stéphane Mallarmé, respetuoso admirador de Berthe, a quien debió la pintora que una de sus obras fuese adquirida por el Museo del Luxemburgo. El director de Bellas Artes, Roujon, asesorado por Bénédite, director del Museo mencionado, y Benoit, conservador del Louvre, supo evitar que la adquisición de la obra (en 4.500 francos) desencadenase nuevamente la cólera que despertó la admisión de la colección Caillebotte en un Museo del Estado. Berthe Morisot pudo en aquella ocasión salir del nivel de mera aficionada, en el que estaba relegada sin duda a causa de su holgada situación, experimentando por primera vez la satisfacción de ser tratada como un pintor profesional.

El gusto de los impresionistas por perfeccionar el reflejo de la luz se manifiesta explícitamente en Mujer arreglándose, obra de una gran maestría en la que se muestra a una sensual mujer arreglándose el cabello.

  Mujer arreglándose

Degas escribió en una ocasión: «Lo fascinante no es mostrar la fuente de luz, sino el efecto que ésta crea». Y tal parece haber sido la técnica que Morisot empleó en el cuadro. También son muy conocidas Frente al espejo, en la que se muestra a una joven coqueta observándose frente a un espejo envuelta en una luz dorada y En el baile, en la que se muestra a una bella joven morena, con un exquisito vestido blanco y su abanico de colores.

 Frente al espejo

 

 En el baile

Podemos ver una fotografía de la artista donde lleva un vestido y un peinado muy parecido al de su obra El vestido negro

   

El vestido negro

La pintora, al igual que Manet, fue un tanto reservada en su método y prefirió trabajar con un estilo más preciso y no tan abstracto como el resto de los impresionistas. Morisot pintaba la inmediatez, lo que veía en su vida normal. Como una mujer de la alta burguesía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños, ya que el mundo masculino les estaba vetado. Sus obras se centran en las mujeres, bien como protagonistas de un retrato, bien como estudios femeninos generales que muestran al individuo en su cotidianeidad. Asimismo atesoraban una sensibilidad femenina que se traslucía por la claridad de los tonos, los matices de los colores y la delicadeza de los valores.

La vida de Berthe Morisot se vio ensombrecida por la muerte de Édouard Manet en 1883, la de su esposo, Eugène Manet, en 1892, y la de su hermana. Educó sola a su hija, Julie Manet, con quien mantuvo siempre lazos muy fuertes. Al morir a los cincuenta y cuatro años, confió su hija a sus amigos, Edgar Degas y Stéphane Mallarmé.

Berthe Morisot murió en 2 de marzo de 1895 en París y está enterrada en el cementerio de Passy en París.

En la actualidad, sus pinturas pueden alcanzar cifras de más de 4 millones de dólares.

 

Emile Munier (Francia, 1840-1895)

  

 

  

Nació en París el 2 de junio de 1840. Su padre, Pierre François Munier, era un artista tapicero de la Manufacture Nationale des Gobelins, y su madre, Marie Louise Carpentier, era pulidora de cashmere en un molino de telas.

  

 Munier en su taller 

  

Emile y su hermano mayor François Joseph, nacido en 1839, iban a la escuela comunal local. Su hermano menor, Florimond Louis, nació el 11 de septiembre de 1851. Por esos años la riqueza familiar había mejorado mucho, lo que permitió que todos los hermanos se matricularan en una buena escuela. Los tres compartían desde muy jóvenes un gran interés por la pintura, tanto que entre ellos se regalaron, cuando contaban entre 13 y 14 años, unos autorretratos. El de Emile está fechado en 1854.  

  

 Un sonriente Munier  

  

Emile Munier asistía a clases de dibujo, pintura, anatomía, prespectiva y química, pero siempre en relación con el teñido de lana, dirigiendo sus estudios hacia el arte de la tapicería para seguir los pasos de su padre. Clases de flores y ornamentos, de química, de ingeniería y de manufactura eran también complementos para seguir ese camino.  

  

  

Durante ese periodo Emie conoció a Henriette Lucas, hija Abel Lucas, profesor suyo, y se casaron el 10 de agosto de 1861 en la capilla de Gobelins. Emile Munier era en aquel entonces un artista de la tapicería, sin embargo pintaba también al lado de su suegro pintura de corte académico. En la década de 1860, y gracias a los avances que fue cosechando en ese camino, Munier recibió tres medallas de las Bellas Artes, exponiendo en el Salón de Bellas Artes en el año 1869. Munier era un gran admirador de los académicos y seguidor de Bouguereau, a quien imitaba a la hora de crear sus propias obras.

  

  

El 28 de agosto de 1867 Henriette dio a luz a un niño al que llamaron Emile Henri. Aproximadamente diez semanas después del nacimiento de su hijo, Henriette contrajo reumatismo severo y murió prematuramente. En 1871 Munier abandonó su carrera en el Gobelins y se dedicó solamente a la pintura, actividad que completaba dando clases tres noches a la semana.

 

Emile pronto se volvió a casar con una joven profesora de pintura, Sargines Angrand-Campenon, célebre retratista, junto a quien montó un estudio en París, cerca de los estudios de Fantin-Latour y Corot. Por aquel tiempo, Emile entra en contacto por fin con Bouguereau, convirtiéndose en alumno suyo. Esta relación se entrechó tanto que logró ser muy amigo del artista que más admiraba.

 

En 1873 Munier pintó El ladrón de manzanas y La lección de tricot.

  

     

  

Fue cuando conoció al marchante de arte George A. Lucas, quien vendió gran parte de su obra durante los siguientes años. En 1874 pinta Mi gato favorito, vendido por una gran suma.

  

 

 

Durante sus vacaciones en Normandía en 1876, Munier pinta sin descanso escenas de barcas, pescadores, playas. En 1879 va a las Ardenas donde pinta el retrato de Madame de Chanzy, cuya familia había conocido poco antes, durante sus vacaciones en Normandía. Es en ese viaje cuando descubre la Escuela de Nancy y conoce a Emile Gallé, con quien colaborará poco después.

 

Sus dos hijos, Henri y Marie-Louise 

  

 Marie-Louise 

  

son su principal fuente de inspiración cuando empieza la década de 1880. Pinta escenas sentimentales, temática que cultivará toda su vida. Marie-Louise es seguramente el modelo de El niño travieso, El niño y el muñeco

  

 

 

y La niña y la muñeca, todas de 1880.

  

   

 

En 1883 visita el lago de Bourget, donde Emile pintó con toda seguridad Niña en el lago y Niña con naranjas.

  

   

 

Durante su estancia en Aix conoce la ópera italiana, y a su vuelta a París comienza a frecuentar los teatros de la ópera. Se interesa por la música y el canto.

 

En el Salón de Bellas Artes presenta Tres amigos.

  

 

  

La obra muestra una niña jugando con su pequeño gato y su perro sobre la cama. Tuvo gran éxito, lo que hizo que se representara popularmente en multitud de soportes. En un tiempo en que los carteles de publicidad empezaban a llenar las calles, Tres amigos fue una de las imágenes más representadas.

Munier desarrolló un talento excepcional para mostrar escenas cercanas, muy expresivas y llenas de movimiento. Se interesó sobre todo en escenas de niños en la campiña.

   

 

   

Desde el año 1886 viaja a Auvergne, cuyo ambiente rural le inspira para estas obras plagadas de niños campesinos y animales de granja, tales como Las nuevas mascotas,

  

 

 

La familia feliz,   

 

 

 

El joven cazador, El corral, La campesina con la horca, El día de las mermeladas,

   

 

 

La niña y la cesta de cerezas  

 

 

 

y La carta de amor

  

 

  

En 1886 recupera la temática de los querubines, en la que había trabajado para pintar Los dos cupidos. El amor desarmado,

  

   

  

presentado ese año, demostraba que todavía recibía gran influencia de Bouguereau, tanto que los aficionados aún confunden la obra de ambos artistas.

 

En la década de los 90 empezó a pintar temas mitológicos y religiosos: cupidos, diosas, vírgenes.

  

  

Sigue enseñando en París. Su hijo se casa, y por ese tiempo presenta en el Salón de París su obra El espíritu de la caída de agua,

  

 

 

donde aparece una ninfa desnuda de gran sensualidad.

 

Animales entre flores y paisajes y jardines de Auvergne son temas en los que sigue insistiendo. En 1895 pinta La niña y La cesta de gatos

 

  

como conmemoración de su 55 cumpleaños y como regalo para el nacimiento de su nieto Georges. Fue su última pintura: murió tras una embolia la mañana siguiente de haberlo entregado.

  

James Jacques Joseph Tissot (Francia, 1836-1902)

 

Tissot nació en Nantes un 15 de octubre de 1836. Fue pintor y grabador, estudiante aventajado en la Escuela de Bellas Artes de París y discípulo de Ingres, Louis Lamotte y de Hippolyte Flandrin. Ya en el año 1859, con sólo 23 años, presentó unos dibujos en el Salon de París. Exhibió un proyecto para las vidrieras de una iglesia de Nantes, y dos años más tarde obtuvo su primer éxito con el cuadro Fausto y Margarita.

Participó en la guerra de 1870-71, y en 1971 huyó de los peligros de la Comuna de París estableciéndose en los suburbios de Londres, donde pronto sus obras fueron tomando cada vez más popularidad. En Inglaterra sus trabajos tuvieron tanta fama como en Francia, lo que le permitió exponer con cierta regularidad en la Royal Academy. Al mismo tiempo se dedicó al grabado, trabajando bastante tiempo al lado de Seymour Haden. También en este género alcanzó grandes éxitos en Londres.

En 1882, cuando todo parecía sonreirle, sucedió un cambio radical en su vida: Kathleen, amante y principal modelo en esos años, fallece víctima de tuberculosis. Conmocionado, volvió rápidamente a París, abandonando toda la temática anterior que le hizo ganar tanta fama, atravesando un proceso de conversión religiosa. Todo cambia: sus temas, su técnica, pero también su forma de ver la vida, de ver las cosas, de entender el arte. Producto de esta revolución interior, se dedica desde entontes a ilustrar la vida de Jesucristo, para lo cual decide, en un febril intento de ir más allá en sus pretensiones vitales y artísticas, viajar a Oriente Medio, a Palestina, a la cuna de Cristo, donde permaneció alrededor de diez años. El resultado de su peregrinación fueron trescientas cincuenta acuarelas sobre el Nuevo Testamento, que fueron expuestas en París y Londres y produjeron numerosas discusiones. Reproducidas en dos volúmenes, Tissot recibió mil francos como derechos de propiedad.

Cada cuadro, cada pintura, representa la perspectiva decimonónica de unas escenas religiosas bucólicas, de quien quiere dibujar unos hechos que la visión occidental ha matizado a través de varias decenas de siglos, pero que sin embargo recogen la autencidad de quien ha tomado las imágenes en el lugar donde ocurrieron.

Tras la publicación de la obra, Tissot continuó su camino religioso encerrándose en la abadía de Nouillon, con objeto de componer un proyecto semejante sobre el Antiguo Testamento, pero la muerte le impidió llevarlo a cabo.

Entre sus cuadros cabe mencionar:  

La recepción (1883-1885),

 

también conocido por L’Ambitieuse  como La mujer política. Esta dualidad en el título genera un doble sentido muy interesante: ¿es la sonrisa de la mujer sincera o por el contrario es diplomática? ¿Representa la figura central del cuadro o solamente la bella acompañante del hombre a cuyo brazo se aferra? ¿Hay alguna pista para el observador entre la multitud que charla e incluso quizá conspira? El interés de Tissot por la moda contribuyó a que sus trabajos resultasen del agrado de los coleccionistas y se vendieran bien, aunque las críticas de carácter puramente artístico no fueran tan benevolentes como las del público en general. 

Las dos hermanas,

 

en el que se ve a dos hermanas en un parque, la mayor de las cuales, en edad casadera, posa con su sombrilla y su sombrero. Entre su vestido vaporoso, en la cintura, podemos observar un pequeño ramillete de flores, detalle delicado de su coquetería. La pequeña, a su lado, parece pensar en el tiempo próximo en que podrá lucirse como su hermana.

Señorita en una iglesia,

 

en el que podemos observar una joven con un elegante pero recatado vestido marrón, con su ribete de visón a conjunto con su manguito. Está situada al lado del confesionario, en un intento de pasar desapercibida por el color de su vestido, gesto que no tiene ningún efecto al enredarse su falda con las sillas.

La fiesta de Brighton,

 

una preciosa pintura de colores muy vivos, en la que se puede observar que Tissot quería traspasar la alegría del día festivo, con sus banderas por las calles, donde una joven alegre, vestida con un resplandeciente y trabajado vestido y un bello ramo de flores y un libro en la mano, camina acompañada de su perrito blanco.

Retrato de la señorita L.L.:

 

El  éxito de este cuadro reside en su original y enigmática composición, pero también por la conjugación de los colores de la chaqueta de un rojo intenso, que procede de la indumentaria de los soldados zuavos (regimientos de infantería en la armada francesa en 1830, originarios de Argelia)  y el entorno de un verde mate. 

El baile:

 

Jules Castagnary, defensor del realismo, escribió en Le Grand Journal el 12 de junio de 1864: «El Señor Tissot, el primitivo fanático de los últimos Salones, ha cambiado de estilo de golpe y tiene tendencia a acercarse del Señor Courbet; una buena nota para el Señor Tissot».

 

Se interesó por el arte oriental y desde los últimos años de la década de 1870 fabrica objetos con decoración cloisonné (esmalte alveolado).

Fue amigo de Manet y de Degas.

 Tissot pintado por Degas.

Se hizo famoso por las descripciones precisas de las modas de su época y sus enigmáticas cualidades. Falleció el 8 de agosto de 1902 en el castillo de Buillon.

Alphonse Maria Mucha (Chequia, 1860-1939)

Gracias a Ana, una amiga de LibraryThing, he sabido que en Madrid se está realizando una amplia exposición sobre el artista Alphonse Maria Mucha, acompañada de interesantísimas conferencias y de diversas actividades. Como una oportunidad así no podemos perdernos, recomiendo una escapada a la capital de España y acercarse a CaixaForum. Y si no fuera posible, sirva este pequeño y modesto paseo por la obra de este gran artista…

 

Alphonse Maria Mucha está considerado hoy como uno de los grandes impulsores y divulgadores del «art nouveau», así como pionero indiscutible en la aplicación del arte en la publicidad y en la vida cotidiana. Es también uno de los padres del diseño gráfico moderno.

Nació en Ivancice, en la Moravia meridional. Pronto sintió una gran atracción hacia el dibujo, pasión que intentaba desarrollar durante su primera educación en Brno, capital morava. Realiza estudios eclesiásticos y forma parte del coro de la catedral de Brno, actividad que tiene que abandonar cuando la voz le cambia. Sus primeros intentos de dirigir definitivamente su vida hacia el arte resultan un fracaso: en 1877 es rechazada su candidatura para ingresar en la Academia de Bellas Artes de Praga.

   

En 1879 marcha a Viena (esa Viena Fin-de-Siècle de la que habla Schorske en su famoso libro, hoy agotado en España) que competía con París como centro artístico mundial. Allí pudo emplearse como diseñador teatral en una compañía vienesa, trabajo que le aproximaba poco a poco a la vida del artista que perseguía desde niño. Este trabajo le sirvió para ir completando, informal pero intensamente, su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el el teatro donde trabajaba, regresó a Moravia, donde empezó a pintar de forma independiente tanto temas decorativos como retratos, siempre de encargo.

 

En ese tiempo ocurrió un acontecimiento importante en su vida. Se encontraba en la posada de una aldea, con poco dinero y dibujando paisajes para venderlos y poder continuar su viaje, cuando le vio trabajar el Conde Kart Khuen de Mikulov, quien le ofreció que le acompañara en su viaje a Italia.  Lo contrató para decorar con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Kunstakademie de Múnich, presionándole después para que continuara sus estudios en París. Esta decisiva ocasión permitió a Mucha afinar su arte y modelar su espíritu de genio.

 

Efectivamente, Mucha se mudó a París en 1887 y continuó sus estudios en la Académie Julian y en la Académie Colarossi, produciendo al mismo tiempo ilustraciones para revistas y publicidad, actividad que empezó a considerar una prolongación de su arte. En 1890 se introduce en el círculo de artistas del Café de Madame Charlotte, del que formaban parte Sérusier y los Nabis. En 1891 traba amistad con Paul Gauguin, y en 1898 se convierte en aprendiz de la logia masónica de París. Viaja a España, que en aquel momento era el destino de los viajeros que buscaban el máximo exotismo dentro de Europa.

En París se dio pronto a conocer por sus dibujos, principalmente en carteles anunciadores. Entre estos merece mencionarse el que dibujó para la obra teatral Gismonda, de Victorien Sardou, interpretada por Sarah Bernhardt, que apareció en los muros de París en los primeros días de enero de 1895 causando una auténtica sensación.

 Detalle

Sarah Bernhardt ofreció inmediatamente a Mucha un contrato de exclusividad por seis años. Los carteles realizados para ella contribuyeron a difundir la fama de la actriz más allá de las fronteras de Francia. Hasta 1901, Mucha no sólo fue responsable de los carteles publicitarios, sino también de las escenografías y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance, aplicando todo lo que había aprendido durante sus años vieneses. Fue esta obra, con su estilo exuberante y estilizado, la que le dio tanto fama como numerosas comisiones.

 

En una exposición que se celebró en la redacción de La Plume, en París, figuraron más de 430 obras suyas, entre anuncios, calendarios, tapas de libros, minutas, programas, orlas, cuadros, ilustraciones, litografías, joyas. Su obra artística y comercial es una sola, conviertiendo la publicidad en una verdadera vía de transmisión de la estética del siglo. 

  

Colaboró en la Ilustration, Monde illustre y otras publicaciones. Conocedora de la importancia y del carácter innovador de sus propuestas, la Sociedad de Artistas Franceses le da en 1900 la medalla de plata. 

 

Como diseñador de joyas, encontró en el orfebre Georges Fouquet el perfecto transmisor de sus diseños. Fouquet y Mucha redefinieron el diseño de joyería fina, sosteniendo que la belleza de una joya depende de su concepción artística. Sus piezas se encuentran en exhibición permanente en el castillo en Morovsky Krumlov. Fouquet presentó una colección de joyas realizadas sobre diseños de Mucha en la Exposición Universal de Paris de 1900, en la que prevalecían las reminiscencias orientales y bizantinas.

 

Además, Mucha diseñó interiores exóticos, como el de la Joyería de Fouquet. Mucha renunció más tarde a esta actividad elitista con el objeto de alcanzar grupos más amplios de compradores para sus obras.

Visitó Estados Unidos en cuatro ocasiones entre 1903 y 1922, bajo el mecenazgo del industrial de Chicago Charles Richard Crane. Posteriormente fue reclutado por la excéntrica actriz Leslie Carter, quien trató de superar el lujo y la ostentación de las obras de teatro de Sarah Bernhardt, lo que finalmente la llevó a la ruina. El formato y la configuración de los carteles eran parecidos a los hechos para el Théâtre de la Renaissance antes de 1900.

En 1908 diseña los murales para el nuevo edificio del German Theatre de Nueva York, y en 1909 nace su hija Jaroslava.

   

Recibe el encargo de decorar el nuevo edificio de la Casa Municipal de Praga, por lo que tiene que volver a Europa. Así, en 1910 se traslada con su familia al castillo de Zbiroh, en Bohemia.

 

Sin embargo, Mucha continúa viajando sin cesar. En 1913 viajó a Rusia con el propósito de tomar unas notas preliminates para un proyecto monumental: La epopeya eslava, una serie de veinte telas de grandes dimensiones que querían representar una crónica de los acontecimientos más relevantes de la nación eslava, y que presentaría en la ciudad de Praga. 

 

 

Su pintura más conocida es La mujer en un páramo, que fue el resultado de cuatro estudios preparatorios. Una campesina rusa levanta la mirada al cielo, desesperada al adivinar su suerte. Está sola, en un paraje desolado e iluminado por una única estrella, con la presencia amenazante de una manada de lobos que se ciernen sobre ella. Conocida también con el nombre de Estrella y Siberia, la pintura expresa las simpatías de Mucha por el pueblo ruso. El lienzo nació como reacción frente a los sufrimientos de los rusos tras la revolución bolchevique, cuando la subsiguiente guerra civil, de 1918 a 1920, provocó que muchos campesinos murieran de hambre.

Gracias a su fama y reconocimiento, desde el año 1922 se dedicó también al diseño de sellos y billetes de banco, y en 1931 recibe el encargo de diseñar una vidriera para la catedral de San Vito de Praga.

    
En junio de 1936 el Musée du Jeu de Paume organiza una gran retrospectiva dedicada al artista, junto con una exposición de František Kupka. En 1939, tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, cuando se encontraba pintando Las tres edades, Mucha fue arrestado e interrogado en Praga por la Gestapo. Nunca se recuperó de la tensión que le produjo este hecho, ni de ver su país invadido y vencido. Murió en Praga, poco después de ser liberado, el 14 de julio de 1939, a consecuencia de una pulmonía. Fue enterrado en el cementerio de Vysehrad. 

      

Sus obras poseen una gran sensibilidad. Sus diseños se caracterizan por las líneas sinuosas, los arabescos, las flores de tallos finos y retorcidos, hermosas jóvenes de largas y sueltas cabelleras con vestidos ondulantes que, a menudo, aparecen rodeadas de flores. Su principal obra pictórica es La epopeya eslava, gran conjunto de cuadros históricos en los que se combina el estilo tradicional con ciertos matices de simbolismo, a veces cruel.

 

En los años 60 sus reproducciones en carteles publicitarios tuvieron un inesperado renacer entre las nuevas generaciones cercanas al hippismo.

    

Mary Stevenson Cassatt (Estados Unidos, 1844-1926)

           

Hay quien dice que Mary Stevenson Cassatt fue la Jane Austen de la pintura. Como la escritora británica, sus cuadros, engañosamente serenos y superficiales, dedicados a mujeres normales en situaciones cotidianas, contienen varios niveles de tensión dramática, carácter y profundidad tanto psicológica como emocional que los dotan de gran calidad artística.

 

Nació el 22 de mayo de 1944 en Allegheny City, Pennsylvania, en el seno de una acomodada familia de Pittsburgh. Su padre, banquero de profesión, nunca llevó con agrado la carrera artística que eligió su hija, todo lo contrario que su madre que la animó en su empeño. Toda la familia Cassatt se trasladó a París en 1851, viviendo algunos años en Alemania, y volviendo a los Estados Unidos una década después. En 1861 empezó a estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes Pennsylvania de Filadelfia hasta 1865, donde adquiere un acento académico que llevará consigo a París en su retorno a la capital francesa.

En efecto, a los veintidos años se trasladó a Europa para estudiar los maestros europeos. En París estudió con destacados pintores y académicos independientes en el Louvre, volviendo a los Estados Unidos durante un corto periodo. Cassatt de nuevo regresó a Europa en 1871, ocupando su tiempo en el estudio de la pintura y la copia de los antiguos maestros en los museos en Italia, Bélgica, Holanda y España, donde residió algunos años y estudió las obras de Velázquez, al que admiraba desde su infancia junto a Rembrandt. Se estableció definitivamente en París, donde estudia en el taller de Chaplin junto a otras mujeres. Más tarde fue alumna de Couture y de Gérome que le proporcionan una gran base academicista.

Su obra y su personalidad atrajo la atención del pintor Edgar Degas, quien se convertiría en su mentor, introduciéndola en el grupo impresionista.  La influencia producida por las obras de Degas, Courbet y Eduardo Manet, la inclinaron hacia esa escuela pictórica.

Fue la única mujer estadounidense invitada a exponer junto a los impresionistas franceses. Edgar Degas la invitó a presentar sus obras con sus amigos. Pudo exponer, entre otras, El palco

o La taza de té

A esta exposición le siguieron siete más con sus cuadros de mujeres y niños, sus temas favoritos.

En 1885 pinta a la señora de Robert Moore Riddle, prima hermana de su madre, en Señora tomando el té, cuadro que destaca por el aire autoritario de la modelo y el mínimo pero elocuente uso de la línea y el color, inspirado en el estudio del grabado japonés, afición que compartía con su gran amigo Edgar Degas. Al parecer, la hija de la señora Riddle se ofendió por la presentación realista de la nariz de su madre; aun así, la pintora apreciaba tanto esta obra que se la quedó para su coleción privada, hasta que en 1923 la donó al Metropolitan Museum of Art de Nueva York, donde aún continúa expuesta.

Aprende la técnica del grabado y estudia el arte japonés que, como decimos, llega a fascinarla. En su estilo se unen como siempre las lecciones de su maestro Degas referidos a la estilización de la estampa japonesa.

La relación de las madres con sus hijos en escenarios domésticos se convirtió en su tema característico, captando de modo natural e inmediato las miradas y los gestos de los protagonistas. Pintaba a los miembros de su familia. No utilizaba modelos ni pintaba por encargo.

 

Su obra, muy discutida en sus comienzos, constituye entre los impresionistas la representación de la ternura femenina y de la gracia infantile. Las xilografías japonesas ejercieron una gran influencia en su obra, gracias a la que empezó a marcar los trazos y a experimentar con composiciones asimétricas y con gestos y posturas más naturales e informales, como en Paseo en barca.

En 1891 empezó su andadura en solitario en la galería de Paul Durand-Ruel, quien se converitiría a partir de ese momento en su marchante. Debido a su bienestar económico Cassatt compró obras de sus amigos y animó a millonarios norteamericanos a que invirtieran comprando obras impresionistas de su entorno artístico.

En 1898 se celebró en Nueva York una exposición muy completa de las obras de Cassatt. En 1907 figuraron cinco obras de Cassatt en la Exposición de Bellas Artes de Barcelona.

Sus continuos viajes la llevan a numerosos lugares europeos e incluso a Oriente Medio. En 1910 se dedicó con entusiasmo a la causa sufragista y reclutó a muchas mujeres para el movimiento. A partir de 1912 Cassatt sufre una ceguera parcial que provocará la pérdida progresiva de visión, abandonando la pintura.

Recibe la Legión de Honor francesa y la medalla de oro de la Pennsylvania Academy of Art. Gracias a su trabajo, el impresionismo se introdujo con fuerza en los Estados Unidos. También destaca su faceta como grabadora en la que muestra una marcada influencia de la estampa japonesa.

Fue la mayor difusora del impresionismo en los Estados Unidos. Muere en París en 1926.

Giovanni Boldini (Italia, 1842-1931)

  

   

    

Nació en Ferrara. Fue un pintor muy conocido en su tiempo, de estilo academicista, muy purista, que, dotado de una gran técnica, era capaz muy pronto de imitar a Rafael y a los grandes pintores de vistas venecianas como Canaletto o Bellotto.

  

  

   

Dado su precoz genio, siendo muy joven empezó las lecciones de dibujo en Ferrara. En aquellos inicios sintió una gran fascinación por los pintores del Quattrocento italiano.    

  

 

  

Hacia el año 1862 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Florencia, convirtiéndose en discípulo de Enrico Pollastrini. Frecuenta en Florencia el Caffé Michelangelo, centro de reunión de los principales artistas de la ciudad, donde se discute sombre arte y las nuevas tendencias.

  

    

  

    

  

   

  

  

  

Siente gran atracción por las reuniones en los salones elegantes de la aristocracia y la alta burguesía, actividad que desarrollará toda su vida. A esas clases sociales, a su gusto por lo académico y a su inclinación por el retrato, dedicará gran parte de su obra. En 1866 viaja a Nápoles y en 1867 viaja por Francia y Montecarlo, donde pinta El General español -1-, obra dotada de una profunda psicología.

   

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Poco después se instala durante una temporada en Londres, invitado por William Cornwallis-West, conocido en Florencia, quien pone a su disposición un estudio en el centro de la ciudad, lugar muy frecuentado por la alta sociedad.

  

    

  

   

  

    

  

    

  

Sin embargo, será París la capital que escogerá para desarrollar su carrera. Allí se instala en 1871, tomando como estudio definitivo uno situado en la Place Pigalle, donde vive con la modelo Berthe. Su estilo deslumbrante sedujo a las damas de más prestigio de la capital. Boldini se hizo amigo de  Edgar Germain Hilaire Degas -2- ,  pintó retratos de sus contemporáneos como John Singer Sargent -3- , John Singer Sargent con su bastón -4-  y Joaquín Ruano – 5- 

  

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Trabaja para el más importante marchante de arte parisino, Goupil, para quien ya trabajan pintores de mucho éxito, tales como Mariano Fortuny o Ernest Meissonier. Pinta una serie de cuadros de género, de ambiente dieciochesco, muy en boga por aquel tiempo.

  

   

  

  

  

   

  

  

En 1874 expone con gran éxito en el Salón de París su cuadro Las Lavanderas -6-.  Termina su relación con Berthe e inicia una nueva con La condesa Gabrielle de Rasty -7-, quien se convertirá en su musa y en su referencia para el nuevo ideal femenino que quería llevar a sus cuadros. Es cada vez más solicitado por la alta sociedad, por el «bel mondo» de su tiempo. Empieza a ser considerado como «el maestro de la elegancia» por lo exhuberante y favorecedor de sus retratos, su brillante colorido y la sensualidad con la que inmortalizó a las grandes figuras de la sociedad parisina y londinense de la Belle Époque.

  

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En 1886 retrata por primera vez a Giuseppe Verdi -8- en lienzo, pero no satisfecho con el resultado lo vuelve a retratar tiempo después al pastel sobre papel en solo cinco horas. Es quizás su obra más célebre e imagen ya inseparable de la figura histórica del compositor italiano.

  

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Tras conocer la obra del pintor sueco Anders Zorn, a partir de los años 90 acomete pinturas de gran formato. En 1892 vuelve a Italia, instalándose en Montorsoli, dedicándose a la realización de un  Autorretrato -9- encargado por el Museo degli Uffici. Vuelve a París para dar clases de pintura a la joven rica norteamericana Ruth Sterling.

  

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En 1900 lo encontramos en Palermo para pintar el retrato de La baronesa Franca Florio Jacona de San Giuliano -10- de quien es huesped. Sin embargo, el retrato no gusta la marido de la baronesa por el amplio escote y las piernas descubiertas. Modificado, tras la bancarrota de los Florio pasa a pertenecer en 1928 al barón de Rothschild por la enorme suma de un millón de liras. Robado por los nazis en París, el cuadro sufrió importantes daños en Alemania, tanto que fue necesario cortar la parte inferior.

  

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En 1914 pinta uno de sus cuadros más conocidos: Retrato de la marquesa Luisa Casati -11-, obra de una belleza intensa, casi estremecedora. Las pinceladas rápidas, de tipo impresionista, reflejan la energía rutilante de un personaje fuera de lo común. La marquesa Casati, rica heredera italiana, reconocía abiertamente su bisexualidad, celebraba fiestas por todo lo alto y se dejaba ver frecuentemente por Venecia llevando dos guepardos con correa. Aquí parece sobresalir del torbellino de líneas de su vestido y del fondo, con una cara que constrasta fuertemente con el resto del cuadro por su finura de detalles y el realismo tanto del modelado como de los tonos rosados de la carne.

  

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Tras una vida llena de éxitos y plagada de relaciones sentimentales, Boldini se casa con la periodista Emilia Cardona, con la que sólo vivirá dos años pues Boldini fallecerá en París en 1931.

  

   

  

  

  

   

  

   

  

   

  

  

  

  

  

   

  

  

  

     

  

  

  

   

  

  

  

   

  

  

  

  

  

   

  

    

  

  

  

  

   

  

   

  

   

  

   

  

   

  

 

  

  

  

  

Eugene von Blaas (Italia, 1843-1931)

  

  

  

Eugene von Blaas o de Blaas nació en Albano (Roma) de padres austríacos. Fue hijo y discípulo del pintor vienés Karl von Blaas, establecido en Italia y especializado en la gran pintura historica. Su hermano menor Julius fue también pintor, dedicado sobre todo a temas de animales y militares.

  

   

  

   

   

Estudió en la Academia de Roma y en la Academia de Venecia. Realizó largos viajes por Italia, Bélgica, Inglaterra y Francia,

estableciéndose definitivamente en Venecia. Fue profesor de la Academia de Bellas Artes de Venecia, ciudad que en aquel tiempo era un centro de atracción para todo tipo de artistas. Fue en Venecia donde von Blaas sobresalió, tomando como tema principal de su obra las descripciones de escenas características de la ciudad: gondoleros, pescadores, vendedoras, siempre con sus trajes populares y enmarcados en la maravillosa y decadente arquitectura de Venecia.

  

    

  

   

  

   

  

Retrató el encanto y la elegancia de las voluptuosas mujeres venecianas, capturando las maravillosas lineas faciales, centrándose en el tono de su piel, el cabello, el detalle de los encajes, los bordados y otras texturas suaves. Fueron muy populares sus pinturas sobre escenas de galanteos y coqueteos, siendo los más conocidos Coqueteando en el patio -1-,  Galanteo en la fuente – 2-,  El coqueteo -3-,  El pretendiente -4-,  Galanteando -5-,  y Chismes entre amigas -6- 

  

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Utilizaba con gran habilidad tanto el óleo como la acuarela. Su técnica precisa y sus colores brillantes y vibrantes fueron muy admirados.

  

   

  

   

  

   

  

  

  

   

  

   

  

Murió en Viena.